画画的入门教学范文篇1

在澳门博物馆，我不但看到了远走西方的中国明清瓷器，和这些中国艺术珍品如何受宠于欧洲皇室的资料，而且也看到了由中国艺人制作的以西方宗教为题材的瓷器。这类瓷器属西方订件，按订件人的要求制造。瓷器的形制多是中国传统的而上面绘制的图案都是西方的。其中有一胆瓶，做工精美考究，上绘圣母圣婴图，其绘画方式完全是西方的“凹凸法”，体面、明暗、透视符合西画造型规律，人物动态结构准确、富立体感，设色也是西方观念。由此可见，西方绘画不但在教堂，而且走向了民间作坊。

清季也有中国画画家在澳门。如清初八家之一的吴历（渔山），是当时很有影响的山水画大家，他也是澳门圣保禄修院的修士。吴历不但擅画，而且工诗，曾名噪澳门诗坛。

澳门是开放的港口城市。随着商贸、旅游业的兴旺，带有纪游性质的外销画兴起于18世纪中叶，至19世纪达到高潮。西方画家，如英国的乔治·钱纳利，托马斯·屈臣，法国画家奥古斯丁·博尔杰，以及出生于澳门的毕士达和一批画手的作品，成为外销画的粉本。钱纳利毕业于英皇家艺术学院，1825年至1852年居澳门并卒于澳门。他与法国画家、巴尔扎克的好友安古斯特·巴尔吉特友善，其绘画追求对人性的深刻认识，对澳门画坛有一定的影响。澳门曾出现过一些“类钱纳利”式的作品。这些或长期或暂时寓居澳门的西方画家，多采用西方写实画法作画，他们的写生或创作，对认识澳门的民生乡情、人文景观有珍贵的历史价值。如圣保禄大教堂，于1835年被大火焚毁，仅留教堂前壁，而钱纳利笔下的《圣保禄教堂》可使我们一睹火灾前的景观。而博尔杰笔下的“妈阁庙”与当今的妈阁庙实景几乎一般无二。

今年3月新落成的澳门艺术博物馆开幕时，曾展出了啉呱或画室的作品——《女子肖像》，肖像中的女子是官宦人家，衣饰、珠宝透出华贵，身著绸缎的质感和光泽感有逼真之势，人物面部结构、肤色及眼神的描画都相当出色。由是可以约略看出从游文辉时代到晚清澳门油画的发展脉络。

抗战期间俄国画家史密特罗夫来到澳门，有大量描写澳门的作品留世。正是这些中外画家在澳门的创作活动，构成了澳门绘画的历史及画坛景观。澳门美术有悠久的历史。中西审美文化的交流、共生、融汇，澳门开了先河，值得研究。“有”版权所

当今的澳门的画坛，是历史的延续，又具新质，同样以中西交融、多元共存为特征，流派纷呈，民间画会若雨后春笋。有影响的画会有：澳门美术协会、颐圆书画会、文化体·现代画会、中华文化艺术协会、世界美术文化交流协会、恒艺书画研究会、行隐画艺学会、澳门新画会、教育文化艺术协会以及澳门中国画院等。这些画艺团体，文化背景不同，有的以中国传统绘画为根基，有的以西方写实传统为依托，有的又以西方现代艺术为背景。画家中有的毕业于内地高等艺术学府，有的深造于英、法、葡国，画家有澳门人，土生葡人，西方或俄罗斯移民等。

画画的入门教学范文

关键词：古代美术；绘画教育；教育特征

中图分类号：G40-014文献标志码：A文章编号：1673-291X（2011）35-0249-02

“书画同源”、“书画同体”，是关于中国书法、绘画艺术原始的考察结论，也是关于中国书法、绘画艺术语言共同特点的概括。绘画教育的发生发展与生产力的发展存在着密切的关系，可以说是生产力在历史的长河中推动了绘画教育的发展。

一、战国、秦汉时期的绘画教育

战国开始了中国漫长的封建时代，铁器的广泛应用促进了社会生产力的发展，也同时促进了私学的产生，美术作品内容以人物画为主，重在为维护封建礼教服务。秦王朝对政治、经济、文化等领域进行了一系列的变革，在全国兴办官学，形成了以官学为主，以私学为辅的局面，强化了教育服务政权的职能。并在建筑、雕塑、绘画等方面取得了辉煌的成就，现存的秦兵马俑就足以说明秦王朝时期的美术教育在受教育规模、美术水平等方面已取得重大突破。

随着汉字文字符号作用的迅速强化，促成了书、画的分立。“绘画”的概念在这一时期有图、绘的分别，图、画则依附于图形状物和装点修饰的基本功能，寻找到驻足之所，以弥补观念表达意义和礼仪道德规范乍失所造成的失衡。这一书画分立的形势，直接影响了汉晋时期美术教育重心的转移以及性质的变化。

随着秦代的发展，秦始皇颁令“书同文”，使文字功能独立，使用普及，作用加强。“书同文”的颁布促使了绘画与图谶、图符、图籍、图志的分离，绘画存形状物的功能凸显出来，写真、状物、法貌、摹形的绘画性质更单一，相应的技艺技能要求也更明确，并受到重视，得到强调。“善画者”的身份，由先秦的臣、相、史、客，转变为技匠之“工”，绘画变为画工之匠作。与此相应，写真、状物、法貌、摹形的技艺学习，成为汉代绘画教育的基本要求和中心内容，并伴随大一统帝国大兴宫室的规模化美术活动，以宫廷中专职的“黄门画工”、“尚方画工”为首，在画工阶层中得到了广泛的推行。

二、魏晋南北朝时期的绘画教育

魏晋南北朝时期的绘画继承和发扬了汉代绘画艺术，出现了丰富多彩的面貌。此时在中国的历史上出现了第一批有明确记载的画家，如：曹不兴、卫协、顾恺之、陆探微、张僧繇等，但当时的绘画传授，还是沿袭了师徒、父子式的传授形式，有明显的师承关系，如：卫协师曹不兴，顾恺之师卫协，陆探微师顾恺之。此时绘画教育的功能仍是思想教育和道德教育，可喜的是这时人们已经认识到了绘画的欣赏功能，认为山水画使人感到精神上的愉快，是其他文学艺术作品无法比拟的。

佛教绘画在南北朝的繁荣，促成了大规模、多门类的工匠美术集群活动。建筑、绘画、雕塑这三种重要的美术门类，在诸如云冈石窟寺、龙门石窟寺这种用工浩大、延续几十年的美术营造工程中，既发展和扩充了师法及传承形式，培养了大批能工巧匠，也使各门类美术工匠在规模化的合作过程中，有了新的组织要求，为隋唐以后美术工匠行会制度，以及相应教育形式的建立奠定了基础。

三、隋唐时期的绘画教育

隋唐时期是我国封建社会的鼎盛时期，政治、经济、文化空前繁荣，绘画教育也有了重大发展。宫廷绘画日益兴盛，唐明皇创置了我国最早的翰林院，并广招艺术人才奉于宫廷，授予官职，同时也集中了一些画家，形成了一支强大的宫廷绘画力量，虽无画院之名已具画院之实，奠定了画院的基础。此时的绘画技能技巧的传授仍是靠师承关系，但因绘画分科的细化，出现了大量专长一科的画家，并提出了绘画应向自然学习，积累素材，才能造化在手的观点。这一主张的提出为师徒、父子师承的美术教育注入了新鲜的血液。

隋唐是继魏晋南北朝之后的又一重要时期。当时社会相对安定，经济繁荣，非常重视同其他国家的交流，文化艺术获得高度发展。名家辈出的隋唐画坛，先后涌现出如展子虔、阎立本、吴道子、李思训、王维、韩、张萱、周等令后人仰慕的巨匠。总体而言，此时期的人物画继承了汉魏传统，重视表现人物的精神气质。随着佛教的继续盛行，大规模的图壁造寺活动促进了民间画工美术教育的发展，形成了一分本为主要媒介，以合作画壁为主要手段的师徒传带教育形式。同时，行业竞争促使行会出现，从而形成民间画工塑工初步的行会教育机制。这一时期的绘画艺术关注到了美术欣赏的意义，打破了单纯追求美术的思想教育和道德教育功能，开辟了美术的欣赏功能；在绘画教育中提出了“师法自然”的艺术主张，使师承学习不再是唯一的方式，成为这种绘画教育方式的有益补充，“自然”成为了“师”外之“师”，为关注人的自身感受提供了契机。

隋唐绘画中，人物画仍然是最主要的门类，同时，山水画得到了较大的发展，其余如鞍马、台榭、舟车、禽鸟、花木等，分科而治，穷尽专精，扩大了绘画的门类分别，古高隽逸的六朝风流，一变而为精妙工丽的华富唐妆。姚最《续画品》评湘东殿下云：“学穷性表，心师造化，非复景行所能希涉。”这一“心师造化”的概念，在唐代分科而治的绘画进程中，被归纳为“外师造化”的绘画教育观念。

在民间画工阶层里，由于文化素质和绘画活动性质的不同，形成了以粉本为媒介的画工美术教育形式，并对后世产生深远影响。其中吴道子是重要人物。

四、五代至两宋时期的绘画教育

五代时期，绘画继续向前发展，蜀地绘画空前兴盛，后主孟昶创立了翰林图画院，我国历史上的画院正式诞生了。画院除为皇帝绘制各种图画外，还承担皇家藏画的鉴定和整理及绘画生徒培养的任务。美术教育的形式主要采用临摹的方法，选择优秀的临本进行临摹，教师教学也是选择好的临本或自行绘制临本供学生学习。具说黄筌的《写生珍禽图卷》就是专为其子习画所绘。

自北宋开始，宫廷画院承担了美术创作与人才培养的两种功能。宋微宗崇宁三年设立画学，这是中国历史第一个皇家美术学院。其录用考试的标准发展了“师法自然”的艺术主张，既要求状物绘形的严格写实技巧，又强调立意构思，多摘取诗句为题目。画学的学科分为专业课和共同课，专业课有：道释、人物、山水、鸟兽、花竹、屋木等六门；共同课有：“说文”、“尔雅”、“方言”、“释名”等。可见，此时期不仅关注绘画的技能技巧，也关注绘画理论，更关注画家自身的文化修养。南宋偏安江南，集中了北宋画家，恢复翰林图画院，又一次掀起了宫廷绘画的高潮。

五、元代至清末的绘画教育

元代的绘画教育带有明显的民族歧视，但程朱理学被统治者确立为正统的思想。绘画创作与绘画教育也发生了很大的变化。由于元代的政治与文化的高压统治，绘画创作的内容多从反映社会生活的人物画转向了描写自然美的山水画、花鸟画。取消了宫廷翰林图画院的制度，在工部、将作、大都的官署中设置了梵像提举司、织佛像提举司、画油具、画局等机构，这些机构本身除了进行绘画创作外，仍有教育的功能。元代失意的文人画家成为绘画创作与绘画教育的强大力量，涌现出大量的知名画家。他们抛弃了统治者所追求的“成教化、助人伦”的教育功能，而以“逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”和“写胸中逸气”，强调了美术的欣赏功能、娱乐功能、宣泄功能，绘画朝着强调自我表现、写主观感受的方向发展。

明朝恢复了汉族传统的文化典章制度，在锦衣卫中隶设各种宫廷美术创作机构，发挥画院为满足统治者进行美术创作的功能，但其美术教育功能被大大削减。明万历年间，欧洲宗教组织带来了大量的西洋圣像，这些绘画品对中国人物画产生了巨大影响，形成了人物画发展史上的一个高峰期。

清沿用明代体制，但设立了专门机构――画院，并对宫廷绘画设有专门的场所。绘画为统治者服务的思想教育与道德教育功能成为宫廷绘画创作的出发点，涌现了大量描绘帝王、后妃、宫廷生活等的为帝王歌功颂德的绘画作品。外国传教士加入宫廷画家的队伍成为这一时期的重要变化，他们擅长以西洋油画或中西结合的形式表现宫廷生活，彼得统治者赏识。这些西洋传教士在宫中授徒，开创了西洋美术教育的先河。这也深深影响着中国画家的美术创作和美术教育。

明清时期还有一支庞大的画工队伍，以绘画为终身职业的绘画工人，也称丹青师傅。这些人文化程度不高甚至没有文化。但他们在工场或作坊中做学徒，在实践中学习，成为宫廷画工或民间画工。他们也为美术发展和美术教育做出了卓越的贡献。

总之，元、明、清时期，虽没有画院，但都有宫廷画家。绘画服务政治的思想教育和道德教育功能依旧。元失意文人成为宫廷之外的重要美术创作力量，开辟了绘画重自我表现、强调主观感受的新方向。西洋画家的出现为绘画创作和绘画教育注入了新鲜的血液。明清版画画谱的出现为师徒、父子的师承绘画教育形式、“师法自然”的绘画教育形式外的自学形式成为可能。

参考文献：

[1]陈绶祥.中国绘画断代史[M].上海：人民美术出版社，2004.

画画的入门教学范文

关键词：水彩画；高校；教学

中图分类号：G420文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）02-0212-01

在大多数人看来，水彩画是“小画种”未能与油画、国画平起平坐。之所以会出现这种现象是由于多年来，中国水彩画作品是以小品形式出现的，很少有思想深刻、艺术感染力强的作品出现。要改变这种现象，从真正意义上振兴水彩画，取决于当前我国的现行文艺政策、教育政策、人事政策。加强高校水彩画教育的办学质量是水彩画繁荣的保证，提高水彩画教育质量与促进水彩画创作繁荣是相辅相成的。

一、水彩画在我国高校的发展

水彩画是以透明画法来完成画面的形体塑造，是一种具有世界性的画种，引进到中国已有近三百年历史。20世纪初，水彩画作为“色彩”课的一项内容进入中国的普通教育。随着我国改革开放和经济形势的发展，中国水彩画开始了一个新的发展时期，不论是参与的人数，还是在全国的影响力及创作形式，都在不断的增强和丰富，由于创作群体的努力，中国水彩画的表现形式和内容都更加广泛。水彩画在高等美术教育中的作用是作为色彩基础进行技能和绘画基础训练作为一门独立的艺术形式进行艺术创作。

二、我国高校的水彩画教学特点

我国各地高校水彩教学在绘画风格上具有明显的地域特征，各具千秋。造成这种情况的主要原因是因为水彩画比较重视技法学习，师承影响比较明显，不同时代、不同教师教授出来的学生绘画风格大不一样。如广东的画风粗犷，江浙一带善于用水，湖北的偏重形式感，东北的比较朴实细致，山东的则画风细腻、扎实、精美……

虽然我国各地高校水彩教学在绘画风格有所不同，但对水彩画基础知识、基本技能的掌握与传授还是一致的，只是在创作训练以及难度较高的课程上才区别明显。

三、我国高校水彩画教学问题的综述

（一）水彩画只宜作概括性、随意性表现的小幅作品，不宜深入反复修改

大部分的水彩画教材开篇都是这样介绍水彩画的特性的，学生们最初接触水彩画时，书本及老师们就向他们灌输这种观点。殊不知，水彩画工具同样可以进行严谨、深入、丰富的形体塑造，又不失其水彩画的特色与魅力。从初学者入门的角度来看，或者从平时水彩写生练笔的角度来看，以小幅面的写生为主这样一种对水彩画的认识与练习或许有一些道理，它能让人们快捷地掌握一些水彩画技巧。

（二）水彩画工具简便，利于普及，适于作为美术专业的色彩基础课

水彩画由于工具材料的局限性，较之其它画种更注重笔触、技肌理的探索与追求。常常在绘画过程中，依据创作意图和画面意境的需要，选用适宜的笔触和一种或几种特殊技法来表现。水彩画之所以是一门艺术，是因为它使用一些技法来达到情感的表达，才上升为艺术，这是一个飞跃。而我们的水彩画教学基本上只停留在纯技术的层面上，还未进入到艺术的层面。而要有这个飞跃，就与学生的知识结构、生活阅历有关。

（三）水彩画与中国水墨画在工具上很接近，学习中国水墨便能使水彩画民族化

几乎所有的水彩画教材上都提到了水彩画与中国水墨画的关系，有的还追溯历史,从用水调配颜料作画的角度来讲，认为中国自古就有水彩画，甚至认为中国水彩画远比欧洲早。然而，我们今天从事的水彩画，它有一整套艺术技法和造型观念并被当作一门独立的画种，众所周知是从欧洲传到中国来的，进入中国的美术课堂也只是近百年的事。

强调笔墨是中国传统水墨画的重要特征，在古代文人画家看来，绘画的美不仅在于描绘客观世界，更在于描画本身的线条、墨色，也就是笔墨。我们要从内在精神上去理解中国传统笔墨。虽然从材质本身的特点来看，水彩画与中国水墨画是相通的，但由于中西绘画都拥有各自独特的“文化基因”，流淌着各自的传统文化血液，水彩画与中国传统水墨画毕竟是不同的画种，水彩画的内在精神是西方绘画的写实性，注重的是对色彩、光影明暗的捕捉再现。

四、总结

在水彩画教学中我们要正确认识技术与艺术的关系，应当让学生摆脱束缚，拓宽思路，扩大题材面，鼓励学生在技法、手段、工具、材料上的变化革新，培养创造意识、探索精神、追求自我、更新观念。高校水彩教育的发展除了要从水彩教学着手外，还要依靠各级美协组织和各地水彩画会的努力，积极承办各种水彩画展，促进学术交流，带动本地区水彩艺术事业的繁荣发展。