唐代工艺美术的成就范文

Abstract:XieZhenouisthecontemporaryrenownedexquisitebrushcharacterpainter.HetaketheDatangstrongwindasthemaincreationcontent,hascreatedmanyoutstandingartisticworks,"DatangSkillHappyChart"maybecalledhisrepresentativeworks,becomesinthecontemporaryhistoryofarttheexquisitebrushportraitunreplaceablework.Hehasoneselfquiteuniqueartisticstyle,hasmadethepositivecontributionfortheexquisitebrushportrait'sdevelopment.

关键词:谢振瓯艺术风格《大唐伎乐图》艺术贡献

Keyword:XieZhenouArtisticstyle"DatangSkillLeTu"Artisticcontribution

《大唐伎乐图》是谢振瓯于1984年创造完成的,通过盛唐宫廷生活的细致描写,生动揭示了盛唐时期的繁荣景象,该作品具有较高的历史价值和艺术水准。

一、谢振瓯艺术风格的形成

艺术风格既是艺术家在一系列作品中所呈现出来的比较稳定的总体美学风貌,是艺术家成熟的标志,具有不可重复的独特性,但却并非是静止的、一成不变的。艺术风格既具体地表现于作品的艺术形式,即反映在作品的结构、语言等各种因素之中,又根植于作品的内容。实际上,它是艺术作品内容与形式的统一所呈现出的艺术特征。这种艺术特征就是艺术作品的艺术风格。①

谢振瓯艺术风格的形成与他的人生经历有着密不可分的关系,从他的学识、创作定位、生活经历之中,我们便可知道他艺术风格的形成过程。谢振瓯是学者型的艺术家,他在创作实践中痛感中国人物绘画艺术自南宋以来开始日渐衰微。如何使工笔人物画走出低谷,发扬光大?谢振瓯放下画笔,一头扎进书堆里。他读了中国少数民族史、中外文化交流史,中印佛教史、大乘佛学典籍以至禅宗传灯语录等书籍。为他今后的创作方向做了方位――专门表现唐代题材,将灵感和激情,汇入民族强盛的理想,用精秀婉丽的工笔线描、绚烂和谐的色彩,一一细细的描绘在绢素之上,让它发出自己的,也是民族的呐喊:工笔人物画从新发出灿烂的光辉!

为了体验唐都的环境,谢振瓯举家从浙江迁居西安,一住就是七年。只身经洛阳穿越河西走廊,跋涉莽莽大漠荒碛直抵葱岭谷地到塔什库尔干,硬是将祖国版图上的古代“丝绸之路”重走了几遍!读万卷书,行万里路,当然结出硕果:在1979――1984年之间,谢振瓯成功创作完成了一系列展示大唐繁华景象的作品。

二、《大唐伎乐图》的艺术性

《大唐伎乐图》174×98cm,纸本设色,是谢振瓯工笔人物画的代表之作,再现了盛唐宫廷演出的奢华和繁复。此作无论是内容表现上,还是构思、色彩、人物布局、意境渲染上都有独到之处,有很高的艺术性。此作获第六届全国美术作品展览金奖。

1、内容之源:艺术作品的内容的显著特征是具体的,即本质与现象的统一、普遍与个性的统一。在创作《大唐伎乐图》前后,历史画少有人问津。谢振瓯受时代感召,发宏愿,创作了一组以唐代社会为题材的巨幅组画。唐代经济的繁荣、政治的开明、文学艺术的兴盛为其艺术创作提供了丰富的素材,也为创作《大唐伎乐图》提供了灵感。

2、崇高之境:谢振瓯在八十年代着意渲染“大唐雄风”的“繁”和“盛”、“大”与“多”,富丽堂皇,丰富充实,人茂物丰,很有气度,趋于圆熟,达到了较高审美层次的“雄浑”――崇高之境。《大唐伎乐图》繁盛之情溢于画卷,塑造了惟妙惟肖的众生之相,达官贵人伎乐,神态各异,楼台演台层次分明,繁盛之表现、雄浑之意境、磅礴之气度跃然眼前,具有一种动魂摄魄的魅力。

3、阴柔之美:《大唐伎乐图》淋漓尽致地运用了工笔画的特性,对女性阿娜多姿的形象和阴柔之美表现的完美无比,写实亦趋传神。在艺术语言上弱化了线的表现力,多种技法的综合性运用增强了色彩、气氛、光感的效果;受西方现代艺术的影响,呈现出了大节奏、大块面的构成趣味;在颜料的绘涂中拓展了重彩的表现力。这些都更有效地表现了女人盛装下的阴柔之美。

4、色彩之谐:《大唐伎乐图》猛然一看色彩绚丽无比,色种繁多,远不同于传统国画简约之美,但仔细看,色多而不繁杂,绚丽而不杂乱,艳丽而不刺眼,眼前给人一种绚丽和谐之感。特别是着色由近及远平缓递减,但又不乏变化,给人感觉和谐自然。画里色彩的运用恰到好处,做到了华丽与单纯的统一,很好地体现出了盛唐时期的繁华富丽之美。

三、谢振瓯对中国工笔人物画发展的贡献

谢振瓯在“”之后能及时的选择这样的题材进行绘画创造,其作品在当时及其现代,都有很大的影响,并博得社会各阶层观者的喜爱。《大唐伎乐图》传承了中国古代工笔的绘画风格又有所突破,设计精严、安排周到,表现出熟练的传统工笔重彩画技,场面宏大,色彩绚烂,具有很强的艺术感染力。拓宽了新的表现手法与思想境界,带有新的精神思考与艺术追求,为我国当时的美术届带来了一丝新风,也对启发其他画家自觉地开始对艺术表现进行新探索,为形成百家争鸣的艺术局面和历史工笔人物画的发展起到了积极的推动作用。

注释:

①《艺术概论》作者高等艺术院校《艺术概论》编著组文化艺术出版社1999年7月P218

参考文献:

[1]《中国绘画通史》作者王伯敏生活・读书・新知三联书店2000年12月

唐代工艺美术的成就范文

关键词：屏风画；比较；影响

中图分类号：J204文献标识码：A文章编号：2095-4115（2014）09-22-1

开始有文献记载的“屏风”应该是在汉王朝时期，但这个时代的屏风，主要还是用于体现统治者地位的确立，也有提高王权的象征。屏风不仅有屏蔽挡风的作用，也是一种很讲究的陈述品，古时有很多绘画作品都绘制其上，这便是屏风绘画的发端。

从古代诗词作品中提到的屏风画种类我们可以知道，屏风绘画是从内容到形式不断发展的。只可惜唐代屏风画作，没能流传是因为唐屏风的材料难以保存持久，更由于历代动乱战火的摧残等原因难见当时实物，在国内人们除从唐诗等文字描述去推知其貌外，谁也不知其庐山真面目。不过正如有的外国学者提出的：“在许多文化传统事物上，谁想要看一看中国唐代是什么样子，就必须到日本去。”日本的文化发展受中国的影响深远，尤其是唐朝时，从文化习俗到政治体制，方方面面，很多几乎是照搬，而且一直流传了下来。

中日两国的文化交流可追溯到公元3世纪，唐代是我国绘画的繁荣时期，已成为周边国家辐射的核心。日本屏风画就源于古代唐朝，由于受唐代绘画的影响极深故而形成“唐绘”。此时期的日本屏风画大都以模仿为主。在唐画的影响下，日本很快出现了美术史的辉煌期。日本屏风画在“唐绘”以后尽管有很大的变异和发展，但仍留下了中国绘画的烙印。

一、艺术宝库――正仓院

日本现存最早的屏风画便收藏在正仓院之中。《东大寺献物帐》曾记载了其中的100叠屏风画，上面绘有唐朝风格的仕女、宫室、宴会、马匹、禽鸟、花木，是天平盛期世俗画的代表作品。可惜今天仅存其中的6扇，每扇都绘有一位美丽的唐装贵妇，在树下或坐或立。

二、人物画

日本人物画不但吸收了中国人物画的上述分支，某些分支甚至比中国还要细腻，这里不妨以仕女画为例，看看中日屏风画的遗传因子是多么地相似。

在中国画中女性形象之作被称为“仕女画”，仕女画即美女画。唐代是中国古代仕女画创作的繁盛时期，产生了张萱、周等许多仕女画画家。唐俗喜欢丰腴女子，故笔下女子皆体现丰满之美。

在日本，中国“仕女画”被称为“美人画”，日本美人画胎息于中国唐代仕女画。奈良正仓院收藏的《鸟毛立女图屏风》（又称《树下美人图》）可说是日本最早的美人画作品，作者完全采用了唐画手法，仿唐像唐到了极点。该屏风共六扇，不论神态、线条、服饰、装扮都描绘了一副典型的中国唐代美人的脸庞和躯体，且屏风的形体、画题也是中国式的，明显受到中国唐代绘画的影响。

三、水墨屏风

中国水墨画经过隋唐以来的发展，技艺日渐完善，其高度发展时期便是北宋时期，郭熙、米芾等一批绘画大家将宋代的水墨画艺术推到了成熟的顶峰。

而在日本，水墨屏风是于13世纪出现的，到了14世纪后半期即南北朝时期，就是汉画的勃兴期，大量涌现道释画、顶相画等禅宗画，以及墨梅、墨竹等禅宗花鸟画，杰作甚多，尤其是出现可翁、默庵这样优秀的道释画家。

四、金碧重彩屏风

日本屏风画经常采用截金、贴金等金工艺来显示金碧辉煌的装饰效果，这是日本屏风画的又一重要表现方法。

截金、贴金或泥金等都属于金工艺。此技法在中国唐代就已流行，李思训父子使用泥金钩染山廓，称他们的山水画为“金碧山水”。李氏父子在青绿山水的基础上进一步拓展绘画材料，采用泥金、描金、洒金等装饰手法构成了金碧辉煌、富丽堂皇的色彩效果，把建筑装饰中用来加强色彩的金属材料“金”逐渐引进绘画中来，这是绘画材料范畴的一次突破。公元6世纪，中国“金”工艺被中国画师和匠人们带到日本后，便成为日本艺术，特别是日本屏风画装饰的重要手段。这些“金”工艺以强烈的装饰效果与独特的质感非常符合日本民族对精美技术和艺术审美的追求。在“金”工艺屏风画发展的过程中，画家狩野永德的贡献最为突出，他将金箔熨帖在屏风画底面（以金箔作底），然后以金碧浓彩或浓艳的矿物质颜料及水墨作画，形成强烈的金碧辉煌的视觉效果，彰显了一种威严力量和豪华气派。

总之，中国金工艺的传入使得日本开辟了黄金艺术的新画风――金碧重彩画，为日本屏风画拓展了艺术空间。

五、总结

中国与日本是“带水”相连的两个近邻友族。日本民族不耻模仿，乐于学习，更善于改造和再创造。日本屏风画是日本特殊生活方式及生活环境所创造出来的独有的美术种类；就比较而言，中日屏风画没有太大的可比性，但是日本民族在吸收唐代绘画以后改革创新的屏风画却是值得一提的，在原有的基础上加入自己的民族特色，这难道不就是一种区别吗？

参考文献：

[1]刘晓路.日本美术史话[M].北京：人民美术出版社，2004.

[2]金维诺.中国美术・魏晋至隋唐[M].北京：中国人民大学出版社，2004.

[3]史玲.日本艺术[M].石家庄：河北教育出版社，2003.

[4]叶渭渠.日本绘画[M].上海：上海三联书店，2003.

[5]范梦.东方美术史话[M].北京：中国青年版出版社，2003.

[6]赵耀.从《韩熙载夜宴图》到中国屏风画――浅析中国屏风绘画发展与流变[D].西安美术学院，2009.

[7]傅芸子.正仓院考古记白川集[M].沈阳：辽宁教育出版社，2003.

唐代工艺美术的成就范文篇3

千年传承的艺术形式

四川省壤塘县是“壤巴拉塘”的简称，意为“黄财神居住的坝子”，享有“黄财神故里”的美誉，是藏传佛教觉囊派的根本道场。14世纪后半叶，藏传佛教高僧仲然拉西日在拜佛求得时轮经，领明师法旨返乡后，随缘在壤塘县中壤塘乡传法，这里从此便与觉囊派结缘。经过千年的历史洗礼和岁月积蓄，壤塘县中壤塘乡成为了独领的藏传佛教觉囊文化中心。觉囊派以专修时轮法著称于世，并使许多高僧大德证得最圆满的大成就。从觉囊派不少祖师先后被元、明、清、民国中央政府敕封的“弘教禅师”、“善悟灌顶国师”、“大善法王”、“永乐敕书”、“正德诰书”等中，可以看出当年这里曾经的那份辉煌和无限荣耀。

佛教传入，给藏族绘画艺术提供了新的题材和表现内容，使绘画艺术开始转向为佛教服务。这其中也形成了多个画派，通常画派和教派之间并没有直接关系，但觉囊画派是个特殊例子。

觉囊画派在雪域活态传承了一千多年，始终与藏传佛教觉囊派文化息息相通。17世纪的佛学大师多罗那他是觉囊派的28代法主，他为后藏拉孜县的觉囊祖庭寺画了许多精美的壁画和唐卡，其风格独树一帜，后来多罗那他被达赖喇嘛派遣到外蒙古传法，其转世活佛由于改信格鲁派，觉囊派在后藏的地位跟着式微，其画风在也跟着式微。觉囊画派的传统技艺自14世纪中叶与16世纪中叶薪火相传到壤塘县中壤塘觉囊文化中心，从此脉脉相续，绵延至今。

觉囊画派因其造型准确生动，画工精细绝美，线条勾勒精致，色彩鲜艳，富于装饰性，属工笔重彩一类，表现了一种华丽、细腻风格，具有浓烈的宗教感染力和震慑力，被誉为“激情燃烧的觉囊画派”。“觉囊画派唐卡兼蓄诸家流派之长，既有康区噶玛噶智画派线条的流畅与灵动，色彩的鲜明与色调的统一，又有卫藏新旧勉唐画派人物形象描绘的细腻精准、用色的沉稳厚重和构图的严整雍容，具有自己独特的艺术风格，是精美卓绝的艺术珍品。”首都师范大学汉藏佛教美术研究所谢继胜教授如是说。

觉囊画派集布画、版画、刺绣、织锦、堆绣、缂丝等严谨的佛门宗风与活泼的传统艺术共融一炉，使深邃的佛法思想与丰富的色彩线条炼化为一幅幅精美的唐卡和壁画作品，主要由诸佛与祖师大德画传、佛菩萨与护法肖像画、本尊画、历史记载画、风俗画、建筑画、宗教活动、器物类、藏医药画、动植物画、时轮历画题材组成，是带有一定历史史料和人物传记的色彩，从一个侧面反映了雪域藏地特定历史时代和人们的社会生活。

觉囊画派既保留了殊胜的传统觉囊画派传承体系，又兼容了当地黄财神文化形式，更笼罩在佛教信仰的光环之下，既表现为信仰的态度，又表现为信仰的目的，是止于至善的生命境界的一种呈现。它有着明确的文化地理空间，以中壤塘觉囊文化中心为其大本营、集散地和根本道场，散布于四川省阿坝州壤塘、马尔康、阿坝“三县”和青海省果洛州班玛、久治、甘德“三县”。在文化生态上，既兼容以草地为代表的游牧文化，又兼容以雪山为代表的峡谷农耕文化。觉囊派47代嘉阳乐住法主，是一位造型能力极强，绘画技艺高超的大师，所绘人物形神兼聚，灵魂世界呼之欲出，笔法轻松灵动传神，传达了渴望表现情致显赜达情、哲理绘真崇极、意蕴取象传神的审美要求，达到了佛教艺术的新发展、美学的新意象、哲理的展示、内证的新境界，因此，他被藏传佛教界公认为具有代表性、权威性与影响力的觉囊画派传统技艺代表性传承人。

禅艺合一的艺术特质

觉囊画派的主要特质是古、特、多、高、美。

画派古老，源远流长。觉囊画派在藏地活态传承一千多年，传统技艺从来没有间断过，每一个时代都有其活态传承的文化空间，始终与藏传佛教各教派文化样式生息与共。师古不泥古，学今不囿今，既师承藏族传统美术技艺，又融摄资粮道、加行道、见道、修道、无修道的“禅修”心髓，更贯通古今、融汇中西、道器合一、禅艺合一、身心合一，无疑是觉囊画派艺术活态传承的一大特色。例如，藏哇寺所藏觉囊画派清代唐卡代表性名作《二臂玛哈嘎拉》，具有很高的艺术价值。唐卡虽年代古远，色彩依然鲜明透彻，古朴空灵；整幅画面构图均衡、错落有致，用笔细致洗练，即使用放大镜观看，于线条细密处，依然可见抑扬顿挫，起承转合间有如精湛的书法，是藏传佛教唐卡中的传世珍品。

风格独特，个性鲜明。觉囊画派画面构图严谨、均衡、丰满，布局上疏密参差，以虚济实，活泼多变，是画师“在修行中绘画，在绘画中修行”的真实写照。觉囊画派源于佛陀时轮教法，其艺术特点融合印、藏、汉绘画艺术精粹，又以线条绘制和色彩点染等特殊技法而取胜，是艺术审美和绘画工艺的圆满交融，被唐卡专家誉为“洁静精微”：“洁”，是清净无着；“净”，如如不动；“精”，是集萃华章；“微”，湛然入微。例如，藏哇寺所藏觉囊画派现代唐卡代表性名作《三世佛》，构图从容有致，用笔洗练大胆，设色淡雅清新，虽整幅画面布满线条，却丝毫不繁杂拥塞，气韵依然流畅空灵，可见用心之至。

品类繁多，脉象互动。按照制作方法和所用材料来区分，觉囊画派可分为两大类别：一类是用五彩的矿物或植物颜料将佛、菩萨、罗汉、本尊、护法、财神、坛城、经咒、图案绘制在麻、布、绸、绢、毛和纸等质地上的唐卡，藏语叫“孜唐”，即“彩绘唐卡”；一类是用丝、绢、绸、缎、布、棉、毛等材料，采用剪、贴、堆、绣、织、镶嵌等手工艺方法制作而成的唐卡，藏语称“国唐”，即工艺唐卡。除此之外，尚有版画唐卡等。

口耳相传，技艺高超。觉囊画派艺术的传承方式主要是师徒传承，代表性传承人是在祖庭证得身、口、意、功德、事业、学养和俱足三身五智成就的明师或喇嘛，一般都不会将绘画技艺传授给世俗之人。在藏哇寺祖庭，觉囊画派活态传承的规矩，是从先学画释迦牟尼佛像开始，其中的一层含义就是表示皈依上师和佛门。世俗之人也乐于以丰厚的工钱为代价，邀请僧侣画师为他们作画，或布施或供奉，作为自己的福德。历史上许多著名的觉囊画派艺术的持教画师，无不是学贯三藏、证至究竟、悲愿至深的成就者。

美美与共，和而不同。觉囊画派艺术以其大量的内容、古老的技艺和自成体系的画风，传达了佛陀觉行之奇美、观音慈悲之优美、金刚力用之壮美、文殊妙音之逸美的风韵，延续着藏传佛教觉囊画派的血脉。觉囊画派以其悠久的佛教美术历史和多元的文化特征，被美术学界认为是“中国佛教美术历史的活化石”，极具学术研究价值。觉囊画派契合佛教“和谐世界，从心开始”和“和谐世界，众缘和合”的道德规范和社会价值观，是一种让人心生善意慈悲，心平气和，由此产生超越感与觉醒意识的画派艺术。

脉象互动的艺术价值

觉囊画派唐卡与壁画的风格独特，始终围绕汲取佛教智慧营养铸造心灵，善于运用对比强烈的色彩，造型艳丽而逼真。纯佛教内容占了觉囊画派唐卡和壁画总数的百分之八十以上，觉囊画派唐卡不仅是寺庙必备的庄严之具，而且也是信众的供奉之物。

觉囊画派唐卡的绘画过程，工序繁多，时间往往长达数月甚至数年之久。其绘制工艺极为复杂，用料极其考究。颜料，以天然矿物颜料和植物颜料为母色，辅以骨胶和白垩石粉，并以金、木、水、火、土、石、骨、花、草9大支，调制出32中支进而变化出158小支诸种色相。在藏地很多流派的唐卡绘画中，一根线条从头至尾的粗细是均等的，而觉囊画派的线条繁复而细腻，其运笔方式与汉地书法相似之外，线条的流畅和飘逸，体现在每一笔的粗细韵律和整体协调之中。觉囊画派主要采用点染方式上色。无论其色彩的视角效果是平铺还是晕染，实际上都是由一个个极其细小的彩点组成的。点染所使用的毛笔的笔尖通常只有人的几根眼睫毛粗细。觉囊画派多以色彩运用见长，其画面设色淡雅清丽，人物神采飞动，会令人想起印藏宫廷画风，或汉地的工笔淡彩文人画。呈现出空灵的韵味和意境。“觉囊派有着悠久的历史传承和佛教文化传统，其绘画风格汇印度、尼泊尔之源流，萃汉藏艺术之甘露，卓然于世，独领。今见此唐卡画工精细、结构严整，内默外化，绍古知今，诚用心之作。”北京故宫博物院研究员罗文华如是说。