工艺美术运动风格特点范文

【关键词】浮世绘;绘画平面设计;建筑设计

浮世绘(Ukiyo-e)是日本江户时代以来最重要的绘画表现形式，其来源于中国，受中国明清版画形式的影响，其文化内涵受中国禅宗思想的影响，并结合日本民族的自身特点，画面多呈现出幽深、玄奥、清淡、静谧和伤感的美学特征，倡导在凝神静察中展现对自然和人生的深深眷恋，同时摒弃文人挥毫泼墨的畅快写意，转换为强调夸张的、严谨的、饱满的匠心独具的工艺特质，充满设计美感。

浮世绘的题材与种类分为美人画、役者絵、戏画、鸟羽絵、漫画、名所絵、花鸟絵、武者絵、历史画、玩具絵、见立絵、相扑絵、张交絵、死絵、子供絵、长崎絵、横滨絵、风刺画等。

浮世绘以其独特的艺术魅力，对欧洲现代艺术运动以来及现今艺术风格都产生了深远的影响。浮世绘以它生活化的世俗题材、平面空间和大胆的截取式不对称构图、用线条勾勒艳丽的色块平涂，使画面具有强烈的装饰性特征。浮世绘的版画不重色彩的浓淡处理，不画出阴影，并且采用平涂的色彩，对造型进行归纳和简化，线条清晰、分明、充满律动感，在画面中有独立的审美意义。

在19世纪中期，大量日本浮世绘版画进入欧洲市场，以其鲜明、简洁的独特美感让人耳目一新，广受欢迎。这些廉价的艺术品一度引发收藏热潮，并吸引了大量的艺术家和设计师的关注，纷纷从中获取艺术创作的灵感，从而也推动了欧洲现代艺术运动的发展。

笔者从几个方面分析浮世绘对现代艺术的影响。

一绘画

浮世绘版画以平面化的处理手法，自由而机智的构图，弱化暗部，纯化色彩，让画面呈现出雅致、简洁、强烈的二维美感，给印象派以来的画家以无尽遐想。如马奈、惠斯勒、德加、莫奈、劳特累克、凡高、高更、克里姆特、溥纳尔、毕加索、马蒂斯、巴尔蒂斯等人都从浮世绘中获得各种有意义的启迪。例如，马奈的名作《吹笛少年》运用了浮世绘的技法。凡高也临摹过多幅浮世绘，并将浮世绘的元素融入他之后的作品中，名作《星夜》中的涡卷图案被认为参考了葛饰北斋的《神奈川冲浪里》，《唐基老爹》中有许多浮世绘画作。对中国现代艺术影响至深的巴尔蒂斯有多幅作品直接取材于浮世绘版画元素，其作品浓郁的东方气质又反过来影响着艺术家的创作。

二平面设计

浮世绘艺术形式来源于中国传统绘画，它充分发挥了中国画不讲求焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣的特点，但是又从中国画一波三折、自由洒脱、强调曲线美的随意性中脱颖而出，发挥了日本民族严谨、细腻的思想作风，空间布局精巧、饱满，技法上讲究线条工整、圆健，色彩浓艳，对比强烈，画面力求简洁、精到与唯美。这本身就带有强烈的设计意识，所以它和现代平面设计的结合就顺理成章了。

三建筑设计

浮世绘所代表的是以东方禅宗文化为背景的美学思想，其所追求的简朴、空寂之美对现代建筑设计影响深远。

以荷兰风格派运动(DeStijl)为例，其主张的纯抽象和淳朴，从外形上缩减到几何形状，而且颜色只使用原色。风格派从一开始就追求艺术的抽象和简化，它反对个性，排除一切表现成分而致力探索一种人类共通的纯精神性表达，即纯粹抽象。艺术家们共同关心的问题是：简化物象直至本身的艺术元素。因而，平面、直线、矩形成为艺术中的支柱，色彩亦减至红黄蓝三原色及黑白灰三非色。艺术以足够的明确、秩序和简洁建立起精确严格且自足完善的几何风格，从中我们可以看出对浮世绘艺术形式的概括和提炼。

现代室内设计简约风格就受到风格派建筑设计的影响，呈现出时尚、简约的特点。其重视功能和空间组织，注意发挥结构构成本身的形式美，造型简洁，反对多余装饰，崇尚合理的构成工艺，尊重材料的性能，讲究材料自身的质地和色彩的配置效果，发展了非传统的以功能格局为依据的不对称的构图手法。设计师们在空间设计上主张灵活多用，四望无阻，提出少就是多的口号，造型上力求简洁的水晶盒式样。注重细部设计，对衔接和节点处理极为重视。强对人性的关怀。

以浮世绘为代表的日本风所追求简单的色块和不均匀的线条、精致和雅致的配饰，给20世纪的现代主义运动提出的装饰是艺术表达的一种有效方式核心理念，在今天的艺术活动中也同样发挥着重要的影响。

参考文献

[1]梁晓虹.日本禅[M].杭州：浙江人民出版社，1997

工艺美术运动风格特点范文篇2

1．纺织品面料流行趋势呈现艺术染整的肌理美感

从2012年春夏纺织品面料趋势来看，艺术染整工艺仍然是面料开发的主要工艺手段。但是面料开发的设计思路较前几年有了新的突破，带来很多生活中不容易被发现的设计元素，将其运用在面料开发上，呈现意想不到的肌理美感。其中仿生态染整就是一种表面的肌理像木炭、烟灰一样;面料呈现渐变的、朦胧的虚幻感;边缘烧焦、面料渗色，看上去轻柔飘逸，既不张扬也不失品味。

2．面料流行趋势呈术染现艺整的工艺表现力

从2012年春夏纺织品面料流行趋势来看艺术染整的另一个方面:工艺创造呈现出开放性、艺术性、交融性。开放性体现在不再拘泥于传统扎染、工业印染的固定形式，而是最大限度的研发艺术染整工艺;艺术性体现在紧跟现代流行艺术走势，注入行为艺术元素，站在时尚的前沿;交融性体现在三维记忆技术和三维后整理技术交融的综合集成工艺技术被大量的运用，还在继续创造中。这些工艺的应用性研发，拓宽了染整技术空间，为染整工艺表现力更艺术、更丰富提供了技术保障。特别是三维快速记忆成型技术面料结合数码图案呈现现代的虚拟风格，感觉像穿运动服那般舒适，这个工艺模糊了材料和形态之间的边界。

艺术染整在服装面料再造中的运用

每种面料都有自身的风格体现，经过设计师的创作之后表达不同的意义和情感，给人不同的心理感受，所以开发创意风格面料已经成为行业核心竞争力。备受瞩目的2012年秋冬时装周流行风格特征风向抛洒出奢华曲线，在四大时装周秀场上，有些潮流元素是被大师们经常使用;它的重复出现也代表了2012年秋冬这一季女装设计的新方向。

1．在服装面料中的运用体现风格特征

方向一传统经典风格:黑色浪漫主义一直是经典传统风格中最重要的主题之一，Gucci、BottegaVeneta、Givenchy、Giles等品牌都不约而同地试图利用黑色主题。很多正是运用提花织锦染整技术融入奢华的蕾丝元素升华设计价值。方向二文艺复兴风格:文艺复兴继续延续着巴洛克时期繁复夸张、气势磅礴、金碧辉煌的艺术风格，特别是在Dolce＆Gabbana和Aquilano品牌系列中淋漓尽致地体现出来。其中金色光感刺绣这一类的闪亮细节为体现华丽风格增色不少。方向三东方民族风格:东方风格来源于古代丝织品元素，那么最具有代表性的就是中国古代纹样、图案和织锦、贡缎。其中有很多新款运用中国传统金银线织锦工艺更贴切地展现了这一充满东方神韵的主题。方向四军装中性风格:网状镂空染整在高级成衣秀场中被广泛运用。它们打破以往仅仅在针织面料上运用其工艺，而更多地通过数码镂空网眼来呈现网状的视觉效果，给人一种强硬感，再配上干练风格设计，女性中性风被鲜明的体现出来。

2．在服装细节设计中的装饰性运用

一般从人们的视觉习惯来观察，首先从整体搭配上赏析整个服装，然后会随着视觉的移动把目光聚焦到服装的局部细节上。那么毋庸置疑，服装的细节设计师服装最精彩的部分，也应该是视觉中心点所在。细节的处理是设计师审美情趣表达的关键点，往往就是通过一个部件、一个装饰线、一个结构线给服装整体效果增添光彩。例如高级女装中领部装饰性运用，采用新激光剪切染整工艺，达到完满镂空图案的效果;高级女装中袖部运用，采用波点、方格数码拔染染整工艺，靓丽不失优雅气质;高级女装中下摆部运用，采用三维立体记忆褶皱染整工艺，大摆拖尾长裙加上规则的褶皱，显得大气精致。

3．在家纺面料再造中的应用

目前流行的一句“轻装修，重装饰”，其实早已说明家用纺织品拥有广阔的市场空间。“家”在人们内心是亲情与温暖的象征，家用纺织品开发的方向趋向“返璞归真、回归自然”的时尚主题，传达一种人性化、贴近自然、质朴的时尚理念。在这样的理念驱使下，家用纺织品设计更加注重面料多次加工、面料材质反复加工开发。(1)物理法物理法通俗的解释就是不产生新物质，或者不改变原有物质的情况下使用的方法。也就是说通过物理法进行再次设计的面料没有发生本质上的改变。(2)化学法运用不同属性的面料对化学物质的抗酸碱性能不一样，腐蚀的程度也不一样，再通过一些化学成分或者高温、高压等后整理手段使面料性质性能发生改变。最主要工艺技术就是印花、染色、喷绘和功能性整理方面工艺。

工艺美术运动风格特点范文篇3

关键词：穆夏；装饰艺术；唯美；新艺术运动

沃尔塔瓦河流经的布拉格广场，伴着街头艺术家们手中流淌出的清扬旋律，看那被游人打扰了的鸟儿时起时落，仿佛走回了一段艺术的历史。

捷克，这座沉浸在浓烈艺术氛围中的奢华国度，穆夏的作品随处可见，而穆夏博物馆坐落在一幢看起来十分普通的楼房的底层，或许这是捷克人民已将其作为邻居般的认同，而非像那种高不可及的大师。这位被捷克人民誉为国宝级艺术大师的79的岁老人，这一生都奉献给了新艺术，甚至可以说以他自己的方式奉献给了他的祖国。

1860年的夏天，阿尔丰斯・穆夏出生于一个虔诚的天主教家庭。童年时光中对他影响最深的便是在布鲁诺圣彼得罗马天主教堂中的唱诗班的经历了。每每进入教堂时，他总会被这栋哥特式建筑中巴洛克的彩绘和雕塑等艺术品深深吸引，仿佛日久生情般，巴洛克艺术在他幼小的心灵中打下深深的烙印。

尽管穆夏有了走上艺术之路的决心，但是他的求学之路也并非一帆风顺，在报考布拉格美术学院时遭到院方拒绝：“请另外寻找一个对您有用的职业。”但他并未放弃，并一边从事绘画相关工作一边学习艺术，后经库恩伯爵赏识并得到资助才实现真正进入美术院校学习的愿望。然而资助终止后的现实又一次锤炼了这位年轻画者的心智，为了谋生，他承接了大量为书籍和杂志绘制插图的工作，尽管报酬十分低廉。穆夏始终遵循这种对艺术的执着，不屈服于贫穷的生活态度，使他的艺术风格在这段跌宕起伏的时期里逐渐萌生并形成了浓厚的个人特色。

1穆夏风格形成

作为一个默默无闻的捷克青年，他一直在巴黎的莱米谢印刷公司打工。1894年的圣诞节，一个偶然的机会，当时巴黎最红的歌舞明星萨拉・伯恩哈特要这家出版印刷厂为她在新年演出的歌舞剧《吉斯蒙达》设计和印刷海报。当时正是圣诞节，公司所有的设计人员、艺术家都不在，迫于无奈，老板让穆夏代为设计这张海报。为了将这张海报做好，穆夏特意穿着租来的燕尾服去剧院观看伯恩哈特的演出，将自己融入设计主体，在创作这幅广告画时，他更是把自己的情感全部投人其中。《吉斯蒙达》（图1）是穆夏新艺术风格的典型之作，集中体现了个人创作特点。女主角的立姿全身像恰当地出现在这个长方形中，四面以拜占庭的陶瓷镶嵌花纹作为图案与之相呼应，上下两处的建筑环境和文字恰到好处地表达了主题，背景的留白突出了主体人物的优雅与服饰的华丽。他风格独特的招贴作品随着演出的成功很快被大众接受，这张招贴画的复制品销量非常好，穆夏几乎在一夜之间成为家喻户晓的名字。伯恩哈特对他的作品很满意，于是与他签下了六年的合同，内容包括为她设计招贴画、门票以至舞台布景和戏装，穆夏通过厚积薄发，将其艺术才能淋漓尽致地展现出来，成为业界的佼佼者。

新艺术运动突破了完全理性的传统绘画，反对工业化背景下枯燥呆板的设计，提倡取法自然，用色明快，将大量的植物纹样带入画面中形成极具装饰性的新型艺术风格。穆夏立身于巴黎这艺术圣地，对世界各民族文化都有所涉猎，并将其精华融入自己创作中，形成具有极强识别特点的穆夏风格。

2穆夏风格的盛行

穆夏的作品具有鲜明的“新艺术运动”特征，也有强烈的个人特点。自小受到的巴洛克艺术影响，画面始终保持对唯美细腻的追求，新艺术运动提倡的植物纹样与曲线美是这个时代具有代表性的装饰语言，拜占庭镶嵌艺术中理性直线和几何形态的穿插使画面富有节奏与韵律，日本浮世绘的色彩平铺技法和柔和纯净色调也在穆夏作品中得以完美体现。能将多民族绘画特色如此巧妙融合，这足以使人们震惊，杂而不乱，繁而不腻的穆夏风格使其成为新艺术运动杰出的代表人物。

他创作了大量的招贴画、海报、广告、油画和书的插画，同时从事珠宝、地毯、壁纸、建筑及剧场摆设等各领域设计，逐渐美誉远扬，订单纷至沓来。1897年具有影响力的约伯牌香烟也前来和穆夏约稿，这达到了穆夏风格的高潮，也创作了新艺术运动风格最杰出的代表作之一（图2）。具有圣洁气息的女性形象是穆夏风格的又一显著特点。画面中的女性优雅的身姿、陶醉的表情以及飘逸的秀发使观者不自觉地就被其吸引驻足，相衬之下背后的JOB标志不再具有第一阅读的醒目作用，而是更像是一个答案，一个如此痴迷的女性背后的一个答案，这更好地表达了JOB香烟的魅力。信奉宗教的穆夏对圣母般慈爱的女性形象定型已深，对女性的刻画受其影响多带有优美高贵的气质，经古典画派代表德拉罗什画派的影响，古典女性的端庄优雅与其浪漫唯美的个人倾向完美融合，形成了新型女性的鲜明特征，满足新时代人们对女性美的新认知，受到民众的大力追捧。

他还设计绘制了许多书籍插图以及平面设计。穆夏绘制的圣经封面与传统圣经封面有着极大的区别，日月星辰的重叠采用理性的对称构图，几何形态的曲线与直线有机地结合在一起，强调着神圣庄严与肃穆。作品中植物装饰纹样和女性形象地融入表露了穆夏对宗教的虔诚之心，也是新艺术运动下的创新之作。

正如文艺理论家车尔尼雪夫斯基所说：“艺术来源于生活，却又高于生活。”高于生活的艺术只是人们眼中的艺术，本质是将生活产物或发生的事情提炼得更加纯粹，通过画家主观的排列与渲染更加直观地展现出来，再次反馈于生活。穆夏是一位广泛涉猎的画家，具有传播目的的商业绘画在印刷出版业的大力推动下广泛地融入平民生活。如果说传统绘画作品是架上的艺术，那么商业绘画就是平民的艺术。他的作品让广大民众感受到美好与希望，为平凡的生活增添了艺术美的气息，更有爱好者绞尽脑汁只为得到街头一张穆夏设计的海报，在那个时代他的作品满足了人们对美的需求，远高于作为艺术品欣赏的意义。

3穆夏后期绘画转折

在装饰插图和招贴等艺术形式取得了成功之后，穆夏渐渐不满足于服务于商业，也更加追求内心艺术家的表达自我态度的作品。于是在后期穆夏创作了大量的油画作品，同样的还是以女性为主题，穆夏描绘的女人几乎全是古典的形象，尽管期间他对创作手法有着多样性的创新和研究，尝试着融人生活的粗糙，但是大多女性都还是有着一头飘逸秀美且富有流动感、生命力的头发。穆夏不满足于停留在古典画作对头发的写实再现，而是对人物头发做了有机形态的处理，这是他从自然界的有机形态里得到的启示和灵感，让飘逸的发丝也如同藤蔓般卷曲缠绕。画中美丽的女人们通常都穿着带有新古典主义的长袍，这无疑为画面的神秘感和优美典雅加分不少。另外，穆夏还突破性地将装饰与油画相结合，形成了独特的油画风格

在晚期绘画过程中，由于捷克人民正在为争取民族独立而与奥匈帝国进行着斗争。强烈的民族感情促使50岁的穆夏花费18年绘制了20幅规模宏大的主题油画“斯拉夫史诗”。从1910年开始绘制的这一宏篇巨制描绘了包括捷克在内的斯拉夫民族从史前到19世纪的漫长历史进程中有纪念意义的场面。在这个系列中他几乎投入了全部的心血，因为它们蕴涵着穆夏对祖国的全部希望和梦想。他曾经这样写道：“我创作的目的从来就不是为了要破坏而永远是要创造，创建起一座桥梁，因为我们必须心怀这样的希望，只有我们更好地相互理解，人类才会更加团结。”这幅作品也是穆夏作品中唯一突破温暖画面的作品，沉重的、略带悲壮和阴郁色彩的画面，述说了这个多灾多难而又坚韧不屈的民族历史。尽管他的油画作品影响力不及他的商业插画，但这也是穆夏对自我精神的一种根本追求。风格也不再是纯粹装饰性的，而更多地呈现出象征主义的气质。

4穆夏风格的影响和应用

历史的长河不停歇的向前推进，新艺术运动也被匆匆带过，穆夏作为新艺术运动代表人物也慢慢在时代前进中掩声，而他创作的无与伦比的精美作品成为永恒的经典。在近代其他国家的艺术作品中也能清晰见到穆夏风格的影响，在中国的上海的美女月份牌上不难发现“穆夏风格”的痕迹（图3）：同样都是以美女作为主角来创作，画中美女面容白里透红，光洁细腻而滋润，也采用花朵作为衣服的纹样，人物周围配以花或树为背景，色调也同样是柔和怀旧的暖色系。在日本《罗德斯岛战记》漫画的插图（图4），蒂多与彼罗迪斯卷曲的美丽发丝和大量花卉植物装饰的背景简直就是穆夏风格的完美延续。穆夏在形成自己风格的时候，受过日本木刻画的启发。同样的，百年之后为世人所着迷的“穆夏风格”又被日本漫画所模仿和借鉴，也是对穆夏的肯定，这是对艺术的致敬。

工艺美术运动风格特点范文篇4

关键词：欧普艺术文化；现代面料；服装设计

在如今人们越来越注重自身美观的环境下，如何以一新颖且美观的服装设计吸引人们的眼光，成为服装设计工作人员关注的问题。当今社会经济高速发展，世界各国人员往来频繁，文化艺术设计风格也趋向多元化发展，在欧美国家盛行的欧普风格图案所蕴含的美学特征和文艺内涵也越来越成为国内服装设计师们的创意来源之一，千变万化的图案表现风格和炫目的色彩运用，越来越受到了年轻消费者们的喜爱，也渐渐的发展成为设计领域的流行指标。欧普艺术因为其具有强烈的视觉冲击力故也称之为：视幻艺术或光效应艺术，采用绘画艺术让图像拥有闪烁动感和色彩巨大差异，让观赏者有着强烈的震撼感和冲击力，并产生视错和视幻效果。上世纪五十年代，欧普艺术在欧美国家逐渐兴起，其以丰富的视觉效果、刺激人们感官的特征迅速受到人们的喜爱和关注，欧普艺术也广泛用于：服装设计、广告设计、纺织品印染、儿童玩具、居家装饰、城市规划、舞台设计、会展设计等等涉及领域非常广。欧普艺术主要是利用几何形象、排列组合以及色彩搭配等方式，组合和设计出具有眩晕和奇幻视觉效果图案，今几年服装纺织品逐渐呈现三维、立体艺术设计、和色彩炫目的设计风格，服装纺织品能够非常好的展示这种炫目的艺术设计风格，不同于以往的欧普艺术表现，而是在服装纺织品上呈现三维立体色彩鲜明使人耳目一新眩晕的艺术设计风格，因此将其运用到服装设计中，能够非常快的吸引人们的眼球和满意人们日益个性化的服装设计要求。

一、欧普艺术风格服装特征

欧普艺术风格主要是采用几何图形为创作元素，利用强烈的色彩或黑白反差来做几何图形设计，从来给艺术作品有视觉幻彩或光彩炫目的艺术效果，因此其不仅具有作为艺术的美学，还有一定的逻辑特征。通过对欧普艺术的研究发现，其在空间构造基础上，表达了印象派、抽象、立体主义、未来主义、色彩主义等多种美学。通过欧普艺术展现的作品，不仅可以起到美观的视觉效果作用，还能够锻炼受众的视觉。欧普艺术作品需要用到光学、心理学、物理学、几何特征、色彩对比等多种学术，创造出令人眼花缭乱却又效果明显的图案作品。随着欧普艺术的发展，其在服装设计中发展出经典的四种服装风格：1.线性图案结构欧普艺术风格，其主要是利用几何图形、色彩等，在以具象的图案展现内在的几个世界，如用几何图案组成动物、棋盘等。2.运动图案欧普艺术风格，其主要是利用规律的几何图案，创造具有幻觉艺术的效果，如图1所示，其将两个相同的图案，利用错开的方式，使视觉效果处在运动状态，从而达到幻觉的效果。3.补色图案欧普艺术风格，其在服装设计中运用强烈色彩对比和补色，如黑白格，使服装特色更加鲜明。4.几何线条和色块欧普艺术风格，其主要是在服装设计中，运用大量的色彩线条，使服装色彩看起来具有规律感，部分服装运用色块，还可以起到眼花缭乱的效果。

二、欧普艺术文化对现代面料的影响

欧普艺术主要是对几何图形的运用，其对现代面料的影响也主要体现在几何元素方面，如点、线、面的运用。另外，对图形的叠加和色彩的运用，使面料产生色彩放射效果，利用色相渐变、浓度变化等，对人们的眼球产生刺激刺激，从而吸引人们的目光。本文主要从点、线、面、体等多个方面就欧普艺术文化对现代面料的影响进行分析。

（一）点的运用

点在服装设计中的运用较为普遍，欧普艺术文化中对点的运用主要是通过使点组合和叠加，并用过颜色浓度的变化和色彩的差异，使点的样式和变化更加多样。不同色彩的渲染能够使点更加显眼，使视觉达到眩晕的效果。另外，利用光线变化设计点，可以在不同的方向观看到点的不同特征。

（二）线的运用

线主要有直线、折线和曲线等几种表现形式。对于直线的使用组要是颜色的变化和排列，使展现的效果具有模糊性。另外直接还可以使人们感受到线条呈现一种波浪的状态。折线的角度比较硬朗，所呈现出的效果也具有阳刚特性。另外折线还可以表现为格子特征，使面料上展现一种建筑风格。

（三）面的运用

面的表现形态也分为很多种，其中利用面达到视觉效果，可以根据面颜色是深浅，大小的变化和方向，从而展现出具有三维效果的图案。面与面的融合和叠加，能够形成独特的空间感。

（四）体的运用

体主要包括各种方体、三角体、圆体等，运用表现手法展现体的不同部位，并进行规律的排列和叠加，从而形成具有多维立体效果，空间感独特的视觉效果。如矛盾空间的运用，使视觉分不清上或下。

三、欧普艺术文化对服装设计的影响

（一）几何元素的运用

在服装设计中运用欧普艺术文化，首先要注重几何元素的运用，将几何元素与服装重点和装饰位置结合起来，另外可以通过几何和色彩的搭配，采用渐变特征，使服装腰部、领口、袖口等部位，更加柔和圆润，从而使服装更具有整体性。此外，欧普艺术几何图案、渐变风格等还可以起到点缀的作用。

（二）人体曲线与欧普艺术的搭配

大部分服装都需要展现人身体的曲线，利用欧普艺术图案所产生的视觉错觉效果，能够更好展现和美化身体的曲线。如利用大格子和图案扩大的方式，可以使胸部或臀部更加丰满，利用色彩渐变效果可以身体腰部看起来更加瘦小。因此巧妙利用欧普艺术，可以使服装更加更加鲜明的展现和优化人体的身材，营造良好的视觉效果。

（三）注重服装本身颜色

欧普艺术以其炫目的视觉效果吸引人们的注意，如果不合理搭配几何图形和色彩，会使设计出的服装结构混乱，甚至由于服装上元素过多，而造成服装没有主体特征。为了能够使服装视觉效果更加和谐，服装设计主要要将欧普图案与素色面料进行结合，对于领口、袖口等细小部位，可以用素色面料进行拼接，从而展现服装的整体性。

（四）保证服装原本的简洁性

欧普艺术本身具有非常浓厚的视觉效果和艺术表现，因此如果服装设计也过于复杂，则会导致无法完善融合。因此服装设计要具有简洁性，使欧普艺术能够更加完善的在服装中展现。让人们看到服装时，首先能够注意到欧普艺术的视觉效果。四、结语综上所述，作为一种视觉抽象艺术风格的欧普艺术，正以其丰富的表现形式和眩晕的视觉效果，受到人们的广泛关注和喜爱，欧普艺术运用到服装设计中，能够使服装更加具有表现力和三维立体感。通过上述分析可知，欧普艺术对现代面料和服装设计都有很大的影响，如点、线、面、体等运用，以及服装样式美化、服装结构多样化、突出人体优势、保障服装的和谐性和整体性等，

作者:刘宝垚单位:湖南工艺美术职业学院

参考文献：

[1]章瓯雁,邢旭佳.欧普艺术文化对现代面料及服装设计的影响[J].丝绸,2011,09.

[2]车玲.浅析20世纪欧普艺术在服装中的运用[J].广西轻工业,2011,09.

[3]张弢.欧普艺术文化对现代面料及服装设计的影响[J].鸭绿江(下半月版),2015,05.

[4]金晨怡.欧普艺术在现代服装设计中的应用[J].丝绸,2010,02.

[5]黄紫娟.欧普艺术对织物设计的启示[J].上海纺织科技,2013,03.

工艺美术运动风格特点范文1篇5

家具代表了一种文化形态，是物质文化和精神文化的总和，是人类生活方式、生活质量和生活情趣的生动写照。家具的设计结合环境艺术，造型艺术和装饰艺术等，直接反应了我们所创造的文化，它以自己特有的形象和符号来影响和沟通人的情感，是人类理解过去，表现今日，规划未来的一种表现形态，有着历史的连续性和对未来的限定性。众所周知，不同民族，不同地域，不同历史时期，不同文化传统和不同价值观念形成了风格各异、形式多样的东西方文化体系，而这些文化差异也就造成了东西方家具设计的差异和多样性。

中国明清家具所体现的工艺风格已成为中国传统家具艺术的里程碑，千百年的传统文化造就了中国明清家具的装饰艺术风格，其独特的装饰与家具结构相得益彰，堪称一绝。使中国明清家具成为世界家具发展史上一颗璀璨的明珠(图1)。

在17、18世纪的欧洲，巴洛克与洛可可风格风靡一时，洛可可风格以纤巧、精美、浮华、繁琐著称，在家具上大量使用烦琐的装饰手法、变化莫测的曲线以及贵重金属的镶嵌，一方面反映了封建社会贵族生活日趋腐化，另一方面其巧夺天工的制作技艺与艺术感染力深深地影响着当时乃至现在的家具审美(图2)。

一、明清家具与洛可可风格家具概述

1、明清家具历史背景

明代是我国家具史上的黄金时代，这一时期家具的造型、装饰、工艺、材料等，都已达到了尽善尽美的境地，具有典雅、简洁的时代特色，后世誉之为“明式家具”，“清式家具”则以设计巧妙、装饰华丽、做工精细、富于变化为特点。尤其是乾隆时期的宫廷家具，材质之优，工艺之精，达到了无以复加的地步，明清家具风格的产生和发展，与当时的社会背景是不可分割的。

从社会经济上看，明代是我国封建社会海外贸易发展，资本主义萌芽产生的时期。

资本主义萌芽使城乡的经济、手工业和商业各方面都得到了巨大的发展，这不仅扩大了国外市场。还由此推动了文化思想领域的变革，改变了社会的审美风尚。特别是明中叶以后，在经济发展和政治变革的呼唤下，文学、艺术、工艺乃至哲学、美学思想均表现出了前所未有的新景观。一大批文人雅士热衷于工艺的研究和家具的审美探求，著书并参与家具的设计，这不仅大大增加了人们对家具的需求，还兴起了家具的陈设和玩赏之风。汉文化中蕴含的文人气质，通过明式家具的造型得到充分的体现，家具形式也呈现艺术化倾向。

2、洛可可风格背景概述

洛可可艺术(Rococoart)是法国十八世纪的艺术样式，发端于路易十四时代晚期，流行于路易十五时代，又称[路易十五式]。

洛可可艺术风格的倡导者蓬帕杜夫人(路易十五第一位情妇)，她不仅参与军事外交事务，还以文化“保护人”身份，左右着当时的艺术风格。在蓬帕杜夫人的倡导下，产生了洛可可艺术风格，使17世纪中存在的那种阳刚盛世之气的风格，充满了女性的柔性情怀，这与当时的政治历史背景有着极大的关系。

十八世纪初期，路易十四去世，法国政治气氛变的轻松，新王朝女权呼声高涨，恰好迎合了上层女性的爱好，尤其以蓬帕杜夫人及受蓬帕杜夫人赏识的两位艺术家：皮加尔和法尔科奈为楷模。正是这点直接导致了洛可可风格的出现，它排除了巴洛克家具造型装饰中追求豪华、故作宏伟的成分，吸收并夸大了曲面多变的流动感，以复杂的波浪曲线模仿了贝壳、岩石的外形，致力于追求运动中的纤巧和华丽，强调了适用中的轻便与舒适。它故意破坏了形式美中的对称与均衡的艺术规律，形成了具有浓厚浪漫主义色彩的新风格，洛可可艺术更多的注重体现曲线特色，并适合女性的装饰，显得更加柔和，舒适。

二、明清家具和洛可可家具之间的差异

1、美学思想与文化内涵的差异

许多研究中西方文化的学者认为，中西文化的根本区别在于：中国传统文化主张“含蓄”、“天人合一”；而西方则认为“主客二分”，利用朴素的辩证法看待问题，这种区别造就了两种截然不同的性格取向，而性格的含蓄成为了中国人区别西方人的一个很大的特点之一。儒家思想是中国传统的道德观念，中庸之道在形式上重视“中正”、“中行”，在内涵上主张凡事都不要过度，要含蓄，以免适得其反，这一传统思想在中国传统家具的造型中得到了完美的体现，尤其是明代的线型在传统技法上提炼概括成简炼、流畅、舒展和刚劲，不但使造型式样具有直线的稳健、挺拔，而且还具有曲线的流畅、典雅，更使家具造型收放有度，刚柔井济，具有形神兼备的特点(图3)。在明中叶以后，中国传统主流文化遇到了挑战，与儒家思想处于对立互补地位的道家思想，在一定程度上影响了明式家具的发展，道家尚“无为”，重“天然”，追求“天人合一”的宇宙观，反映在明式家具上就是简洁的装饰、柔美的线型与天然的材质。

我们所谓清式家具，乃是指康熙未至雍正、乾隆、以至嘉庆初的清代中期，是指这一段清盛世时期的家具，这段盛世家具风格的形成与清代统治者所创造的世风有关，它着重表现了从游牧民族，到一统天下的雄伟气魄，代表了追求华丽和富贵的作风。

而在17、18世纪的法国，一种新的社会意识开始得到张扬，人们追求轻松、自由的生活。美术史家龚古尔写道：“当路易十五的时代代替了路易十四的时代时，艺术的理想从崇高转向了愉悦，讲求稚致和细入微的感官享受遍及各处。”古典主义中的巴洛克艺术风格，与中国的一些装饰因素相互杂糅，反而衍生出一个风靡整个18世纪欧洲的洛可可艺术风格，它与享乐，爱情，奢华的生活联系在一起，反映宫廷贵族的审美理想和趣味。

这一时期的风格特征因女权的兴起，其装饰风格是运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式，喜欢形态与方向多变的曲线和弧线，荷加斯在《美的分析》一书中“论线条”的一章中提出过：“有一些对象是由上述所有的线条和蛇形线组成的，如人体，蛇形线赋予美以最大的魅力。请注意：在最优美的形体上，直线最少……蛇形线灵活生动，同时朝着不同的方向旋绕，能使眼睛得到满足，引导眼睛追逐其无限的多样性……”。

18世纪的洛可可艺术，是那些喜欢奢华风格者的代表人和组织者，如蓬帕杜夫人及一些崇尚华丽风气的贵族们，她们左右着m廷的审美趣味，诱发了洛可可艺术，使其无不充斥着一种倾向于女性化的审美特征。

2、造型与风格的异同及相互影响

明清家具中，“明式家具”偏重造型，装饰虽复杂。却主次分明，体现了简洁明快、典雅清俊的艺术风格，同时，明式家具多曲线造型，以流畅的线条和唯美的造型著称。在视觉上注意形体的收分和线形的流利，优美的曲线结合朴素的直线，一动一静，家具整体也随之灵动起来，宛如洛可可风格。“清式家具”则强调那种极度繁琐，奢华的装饰风格，它迎合了当时上层人群的审美品味与要求，其奢华的装饰艺术与洛可可风格相类似，可以说这种装饰风格成为了中西封建历史即将结束的共同征兆。

明清时期的中国传统装饰纹样，特别是清式家具，以雕绘满眼绚烂华丽见长，卷草纹、缠枝花草、植物、动物等等一些优美的曲线和复杂的花草装饰纹样，其柔美、飘逸的风格特征恰好与洛可可风格中大量的运用蛇形线，以表达一种超乎想象的柔美和纤巧之感相似，使得观赏者在欣赏的同时可以随着曲线的延伸得到视觉上的美的享受。脱离了古典主义时期的宏伟壮观，法国人转向钟情于更加精巧和柔美的曲线。

18世纪的法国正是“中国热”盛行的顶峰，遥远的东方带来的不仅仅是精美的瓷器和华贵的绸缎，而且与之俱来的古老国度的博大精深的文化和艺术，无不体现着一种潇洒飘逸的高雅的气息。很多国王和宫廷贵族是中国手工艺品忠实的收藏者，路易十四曾经在特里亚侬宫中用瓷器建造了一个狄安娜(月神)房间。路易十五甚至要掀起一个日用品的变革运动，用中国的瓷器代替传统的金银器皿，瓷器成为欧洲贵族家庭中最为时髦的奢侈品，风靡世界市场，成为正在上升的欧洲“中国热”的顶点，并在此后几十年一直统治着贵族们的品味。

工艺美术运动风格特点范文篇6

关键词：设计艺术；科学技术；平衡；统一

Abstract：Designofintelligenthumanactivity,artandtechnologyaretwoimportantfeaturesofdesign,inthedesignofthedevelopmentofhistory,artandscientifictechnologyhasbeenaroundthedirectionofthedevelopmentofdesign,arthistory,everynewstylewillbringtodesignnewinspiration,humanhistoryeverytimetheprogressofscienceandtechnologywillbringtodesignthenewleap;theprogressofscienceandtechnology,socialcivilization,cultureandartlevelisendowedwithnewconnotationofdesign.People'sspiritualneedsandmaterialneedsofdesignartandscienceandtechnologyunify,designersinthedesignworkshouldclearlyrecognize,artandtechnologydesignisadynamicprocessofchange,advancingwiththetimes,anyartandtechnologyseparationorartandtechnologytheinappropriatecombinationwillcausethefundamentalfailuredesigntherefore,thedesignershoulddesignanalysisofrelationshipbetweenartandhistoryofscienceandtechnology,toexplorethevariationbetweenthetwo,graspthecharacteristicsofthetimes,thedevelopmenttrendofthetimes,thedynamicbalanceoftrueartandtechnologydesign,designarealsocialneeddesignworks.

Keywords:designart;scienceandtechnology;balance;unity

中图分类号：TB21文献标识码：A

人类原始时期、手工艺时期、现代工业化时期因生产力水平不同，设计表现出明显的差异；为适应社会生产力需要，设计要不断的变化发展，艺术与技术为适应设计时代要求，也在不断寻求二者之间平衡关系。

一、人类早期“实用性”设计

从广义上讲设计是人类一切生物性和社会性的原创性活动，设计是人类的智能性活动，当人类产生以后为了生存便有意识有目的进行加工活动，由此设计便产生了，在设计萌芽阶段，以石器为代表的原始设计阶段，在此时期石器是最主要的工具，石器设计是原始设计最主要的设计内容，生产工具的设计创造对早期人类由猿向真正人的转变具有决定性意义，生产工具的创造提高了人类征服自然的能力，在人类造物活动的初始时期，人类智慧性活动完全是为了生存的需要，这个时期“实用性”是设计的主导倾向。

二、手工艺时期技术与艺术完美结合

在新石器时代长期积累的基础上，人类完成了第二次社会大分工，手工业成为独立的行业，手工工匠专心于器具的制作，建筑、手工艺、服饰等专业、独立的行业性设计逐渐出现和发展完善起来，创造了辉煌的手工业文明。在手工设计阶段，手工制作中设计与生产是密不可分的，设计者在富于艺术构思的同事也精通材料和技术，因此手工业时代是技术与艺术完美结合，造就了传统设计的辉煌。在这个时期设计师不仅是技术人才同时又是艺术家，设计作品不仅是技术材料的体现，更是一件完美的艺术品。在这一时期，古代埃及、古代两河流域、古代希腊和罗马、古代中国的成就是非常突出的。但是手工业时代的设计最重要的特征是对金属材料的运用，以及纯粹依靠手工工艺的生产过程。奴隶社会、封建社会的封闭性、稳定性、保守性也造成了手工艺设计的完整性和延续性的突出特点。

三、工业化时期设计艺术与科学技术之间变化关系

进入工业化时期，科技的进步，生产方式的改变，打破是传统手工设计中艺术与技术结合模式，该时期艺术与技术之间变化关系主要分为三个阶段；第一阶段是艺术与技术逐渐分离阶段；第二阶段是艺术与技术矛盾时期；第三阶段是探索设计艺术与科学技术新的统一。

1.艺术与技术逐渐分离：随着工业化时代的发展，自然科学和社会科学不断的发展和完善，科学观念渗透在技术领域，技术知识逐渐走向理性分析阶段，与艺术感性思维产生距离；而该阶段艺术的概念也在开始强调艺术类的精神属性，艺术也逐渐与使用的概念和技术的概念产生分离。18世纪初期荷加斯的著作《美的解析》为最早的设计理论专著，荷加斯分析了以线条为特征的视觉美和以使用性为特征的理性美，认为使用的理性美是以最大限度地满足使用者的使用需要为目的。18世纪艺术家巴托把艺术分为实用艺术，美得艺术，以及一些结合了美与功利的艺术；伴随着美术感念的出现，产生了大美术和小美术的区别，由此混为一体的技术与艺术才略有了区别。1750年德国哲学家、美学家鲍姆嘉通创立了“美学”使的艺术与技术分离更加明显；在西方18世纪中期哲学家黑格尔否认使用艺术作为艺术的特征，并且当时许多艺术家认为美的艺术高贵于使用艺术，由此许多艺术家不愿涉足于使用艺术领域，出现技术家不在干涉艺术，艺术家不再关心生产生活，最终导致艺术与技术的分离。

2.设计产品中艺术与技术矛盾时期：工业革命之后科学技术为人们的生产生活带来巨大的变化，人们在享受科学技术带来好处的同时，技术与艺术分离似乎更加明显，在产品中集中反映了艺术与技术之间的矛盾，虽然工业革命带来新技术、新材料和新的上产方式，却没有给设计带来适合的新艺术可供借鉴，于是导致了新问题的出现：与手工生产相比，机器的批量生产带来产品艺术质量的急剧下降和消费者艺术品位的降低。1851年英国水晶宫博览会作为世界工业化时代的重要标志，同时也暴露出设计的严重不足。人们在使用工业产品的同时，审美趣味却停留在古典装饰风格之中，促使设计师在工业产品上装饰古典风格样式，导致艺术与技术的严重不协调，如何处理艺术与技术之间分离带来的缺陷成为设计师，艺术家，理论家开始考虑的时代问题。从而设计作为技术与艺术的结合的时代即将到来。因而水晶宫博览会所展示的成就和暴露的问题成为工业设计理论和实践起始点——英国工艺美术运动的直接原因。

3.探索设计艺术与科学技术的新统一：1、工艺美术运动主张艺术与技术的结合的原则，它是19世纪末到20世纪初由莫里斯倡导的在英国掀起的影响深远的设计运动，该运动主张艺术与技术的结合，要求美术家从事产品设计反对纯艺术，该运动的本质是通过艺术与技术的结合来改造社会并建立起以手工业为主导的生产模式。工艺美术运动虽然有他的局限性，但它唤醒了人们对设计的重视，探索了艺术与技术的结合以及设计与艺术的伦理道德方面做了卓有成效的前瞻性工作，打开了现代设计的大门，在之后的设计发展中，设计艺术与技术之间不断的寻求新的平衡。2、新艺术运动虽然不怎么反对机器生产，积极探索适应现代工业技术的艺术装饰，但是由于艺术装饰过于复杂，所以该设计风格并不适应现代工业批量生产，设计艺术与技术之间并没有实现统一；3、装饰艺术”运动几乎与现代主义设计运动同期诞生，具有手工艺和工业化的双重特点，在设计上采取折衷主义立场，由于它考虑到了人们对产品形式的多样化需求和对精美手工制作的热爱，还部分照顾到了批量化生产的要求，所以在短期内风靡一时。然而，以当时尚显稚嫩的工业技术水平，要让大机器批量生产的产品兼具手工之美实非易事，能同时满足这两方面的条件的产品设计少之又少，因而，“装饰艺术”运动经过短暂的流行后很快销声匿迹。无论是英国的“工艺美术”运动，还是欧美的“新艺术”运动、“装饰艺术”运动，都显然不是解决问题的最有效办法，它们的中心是逃避乃至反对工业技术，反对工业化，反对现代工业文明。而且以上三个设计运动在艺术上借鉴的都是繁杂细密的传统装饰。但是，大工业生产初期的技术水平和批量化的生产方式显然无法完成产品的这种艺术追求。与手工技术相比，大工业生产技术无疑是一种进步，问题在于找到能与这种先进的大工业生产技术相匹配的艺术加以整合，创造出能代表大机器时代的优良的设计。4、人们希望在保持物质进步的同时，也能享受机械所带来的精神愉悦。如何掌握机械的艺术潜能，探询的目光投向了最具活力的现代艺术。大工业技术与现代艺术中的客观化趋势相结合，直接促成了一场现代设计史上最具影响力的现代主义设计运动。现代主义风格的确立，是现代工业技术与艺术走向结合的必然结果，现代设计的本质是按照美的规律为人造物，艺术与技术的辩证统一关系是现代设计师们的基本设计理念，但是，设计中技术与艺术的平衡永远只能是一种动态的平衡，技术在不断发展，人的精神需要也是复杂多样化的，当技术的发展为这种多样化的需求提供了实现的条件后，设计也就从以现代主义为主而走向了多元化。

结束语

且不管何种形式、风格、流派都是围绕着艺术与技术之间相互关系中进行和开展的。如在以上设计几种主要风格中，每一种风格的盛行都显露出了艺术与技术之间微妙的关系。设计是技术与艺术的综合，在设计中，技术和艺术是矛盾的统一体，两者完美结合，造就优良的设计；当设计中的技术与艺术达到动态的平衡时，设计表现为一种较为稳定的风格。技术在革新发展，艺术在不断变化，设计也就呈现出不同的面目；数字化时代艺术与技术的统一关系呈现动态变化的特征，需要重新思考定位。新时代背景下，虽然有人性化设计、绿色设计、可持续发展设计等不同价值取向，但设计仍然以艺术与科学技术为实现手段，艺术与技术的统一关系在新的时代依旧存在并更加紧密，而技术与艺术的内涵也更加丰富。

参考文献：

1.《世界现代设计史》.王受之.中国青年出版社.2002.

2.《中国建筑史》.藩谷西.中国建筑工业出版社.2003.

3.《现代设计史》.董占军.高等教育出版社.2008.1.

4.《设计学概论》.尹定邦.湖南科学技术出版社.2007.7.

工艺美术运动风格特点范文1篇7

关键词：中国民族民间传统工艺;民族服饰;现代流行元素

中图分类号：J523.5文献标识码：A文章编号：1005-5312（2015）27-0123-01

一、设计灵感来源

根据2015的流行趋势“复古”来开拓思维，再借鉴无数服装大师精妙绝伦的设计，不厌其烦运用的服装表现手法：重叠扩展对称等等...从设计师开始从各行各路开拓服装造型的领域。我参考借鉴，巴黎高级时装设计师Jeanne以绘画题材入手，从中世纪教堂的彩色玻璃画获得灵感.杜嘉班纳则对巴洛克时期艺术和建筑风格的喜爱移植到服装上.卡尔・拉格斐时尚界的凯撒大帝被传媒封为“当代文艺复兴的代表”更加确立了服装与艺术是不可取分的。由众多服装设计大师的灵感来源，也启发了我的设计灵感便来源于贵州民族民间传统工艺苗绣、蜡染、刺绣、挑花、镶缀等。将现代服饰镶入苗绣。捡起我们即将遗忘的珍贵手工艺。由于传统苗绣有大量牡丹荷花植物图案，所以服装外形我也采用现代表现形式荷叶边与服装内容相结合服装。荷叶，复古重来，《复荷》便是本次作品名字由来。

二、色彩设计

在中国这个拥有5000年历史文化的国家，更有丰富的文化遗产供养我们的视野，由此本次设计也将把中国的传统民族艺术运用到服装上。中国56个民族，服饰文化绚丽多彩，工艺精湛，款式别致，风格独特，其共同性就是色彩都相对艳丽，而艳丽对于服装有辅助作用也有负面影响，高纯度的色彩加上相对色彩的碰撞让服装过于俗气，而如何将其柔和让服装高端大气上档次？

1.采用白色万能色作为服装基调，因此在颜色上选择白色也是遵循了化繁为简的想法，这个服装基调的选择，除了因为颜色本身的包容性，它给人的感觉更代表了一种光明的能量。其情感象征也是充满多样性的。它之于人明亮无暇、庄严神圣、优雅宁静的美好;象征着超凡脱俗与淡泊和平的气质，本质无邪且光明纯洁。

2.白色在这个瞬息万变的潮流中始终占据主导位置，但近些年却又逐渐演变为了大众色、平民色。

3.再加入苗绣纯白的颜色上因为苗绣的点缀，必然画龙点睛，也正因白色的包容性，才能更好的融合苗绣的艳丽。

三、服装设计理念及服装款式

在社会还未蓬勃发展的过去服装只为遮体，随着社会发展，人们对美的追求日以剧增，再从美的基础上考虑到人体结构服装改良，服装紧贴肌肤，观赏是重要原因之一，但如果仅仅只在乎色彩和服装形态，而忽略人体需求，内部工艺等等，一切都是白费。其次要让具有中国特色的服装在世界的舞台上占有一席之地，必须舍弃繁琐保留精髓，要设计出具有中国民族特色的服装并不是简单的生搬硬套，也不是把具有民族文化符号的东西套用在服装上，没有特色和创新那也是于事无补，民族服装将封存博物馆，作为民族文化的一种敬仰，却没有传承，更别说很多精湛的手工技术已经失传，运用精髓我们已经出现瓶颈，所以运用西方服饰优点与新颖来弥补我们民族服饰一尘不变的服装款式是我的想法之一。西方服饰崇尚以人为本的结构也是我遵从的理念，设计注重造型和结构的合体剪裁。虽然表现出简约的风格，但这种风格不但不适合现代人对服饰实用性审美性的需求，还背离了西方市场主宰着的流行趋势。如今以设计有关的中心理论离开不开"以人为本"不管是工业设计、产品设计、平面设计，更别说服装设计，这关乎人体着装的合理性。所以"以人为本"是我设计的中心理念，舒适，合理，美观，实用。由于民族服饰的缺点和它独特的针对性，穿戴复杂配饰过于繁琐，沉重。所以现代服装结构上运用民族元素必须进行取舍。所以在服装款式上我采用简单基本款包裙，连衣裙、A字裙为主，再采用近年流行元素荷叶边加以修饰。在造型上我还是采用现代设计中合体剪裁手法，再融入具有代表性的民族元素：工艺上的刺绣，中西结合。

四、面料的选用

民族服饰面料主要以棉布、麻布为基本材料，上面饰以绝妙的手工刺绣做装饰，图案样式层出不穷，充分体现了女性之美。为了与现代服饰融合我采用太空棉。面料太空棉是表现复古体现荷叶的最好选择，从中加入的荷叶边则是柔化了硬朗的廓形而作出的重要辅助，太空棉柔中带刚，还有辅助布料蕾丝，美妙之处在于它完美地展现了女人温柔却又不失现代女性干练的特质，进而民族与现代的契合。另外苗绣精湛的工艺效果更是呈现了服装的一大民族特色，在不经意间就衍生出了一种不可复制的美。那么为什么会选择太空棉？复古风衣混搭运动鞋也是给我灵感运动太空棉的原因之一，当下盛行的运动风格其实也成为了一种时尚并且在年轻人都圈子中逐渐扩展开来，复古式的风衣混搭运动鞋的搭配方式给了我灵感。在生活中，服装的风格和搭配是提升人体精神面貌的重要工具，正如俗话说的"人靠衣装"，服装的选择和搭配甚至可以决定你带给人的第一印象。在结合民族风的理念中，为了抛开太过本土民族而带来的繁琐复杂，采用太空棉蕾丝等同于是把民族装饰带到一个新的领域，化繁为简。

五、服装图案运用

要充分将苗绣、蜡染、刺绣、挑花、镶缀、刺绣、扎染，蜡染在现代设计中运用起来，精简并精画民族图案是关键。所以我们有必要进行改良，加入一些现代手法和创意，为了方便快捷，提高效率，降低了劳动力，我改用大量的机绣图案，缝纫机代替手工缝制，我运用绿色布条，内有刺绣纹样镶入衣襟，底摆。再加上机绣花朵布贴进行扩散，重叠等手法让服装更加丰富多彩赋有内涵，不仅给服装设计带来了视觉的冲击还有复古情怀。现代风格加上民族艺术苗绣的"热烈"风格起到抵消作用，而小面积增添传统风格的设计对现代风格却能起到了烘托作用。这样不但可以使古老的图案重新鲜活起来，还可以让人们更多更快地了解认识少数民族图案。一种时尚标志，就好比香奈尔的成功让其标志也成为了时尚的信号。

工艺美术运动风格特点范文篇8

关键词：勒内・拉利克；女性元素；玻璃；自然

1新艺术运动产生的背景

新艺术运动源于1895年萨穆尔・宾（SamuelBing）在巴黎开设的一间名为“现代之家”的商店，他在那里陈列的都是按这种风格所设计的产品。当时简单地称之为现代风格。同时它恰当的改良了矫揉造作的装饰流行风格，为现代主义的出现做了铺垫。

新艺术运动强调自然中不存在完全的直线与完全的平面，装饰上强调凸显曲线，设计的动机基本来源于自然界。新艺术运动的艺术家在崇尚“师法自然”的过程中寻找一种抽象的、有机的象征情调，以线条的运动感体现设计的基础。当这种崇尚自然的风格体现在首饰设计上时，蜿蜒流动的线条，鲜活华美的纹彩使得珠玉宝石获得了奇异的生命力，赋予了设计更深层次的含义。

19世纪下半叶的工艺美术运动，是一次装饰性艺术与设计相结合的一次革命，主张恢复手工艺生产、提倡自然风格和东方风格。在日本的艺术美学中，简明、纯粹，平坦的画面，不对称的比例，不过度强烈的线条，瞬间定格的描绘手法，以及在题材上选用花、鸟、植物等自然主题，与新艺术运动对自然的推崇不谋而合，给艺术家们带来了新的灵感，尤以法国的新艺术珠宝受影响最深。此外，日本艺术的技法和材质也深刻影响到新艺术珠宝的发展。例如，珐琅的色彩、漆器工艺以及双色金属镶嵌等。

新艺术运动在矫揉造作的设计泛滥时期，重新回归了自然设计的优良传统。在世纪之交它起到了承上启下的作用，成为新时代与旧时代的一个过渡。

2勒内・拉利克简述

图1勒内・拉利克

勒内・拉利克（RenéLalique，1860～1945，见图1）作为一名玻璃设计师，设计中给人印象深刻的香水瓶、花瓶、珠宝的创作而著名。在他的艺术创作中我们可以看出，勒内・拉利克是一位集想象力和创造性为一体的艺术家。拉利克让昆虫重新回归美的主题，展示其鲜为人知的艺术魅力，他善于捕捉精妙的细节用以点缀自己的设计，并探寻将平凡的材料塑造成灵性四溢的杰作，真是一位伟大而又神奇的魔术师。

勒内・拉利克作为新艺术时期的珠宝设计师，用流畅的线条和韵律，搭配上花草、鸟类、昆虫等元素融入玻璃中做成胸针和饰品名扬世；另一方面他还用强有力的线条构造把玻璃的制造延展到各个领域。拉利克柔美的思维与创造力，以及敢于付诸实践的勇气给予我们现代设计各种各样的启迪。拉利克还沿袭文艺复兴时期的艺术风格，将女性形象运用于珠宝装饰，这在当时的确是大胆之举。因此，他的首饰创作不只是使持有人拥有高价值的宝石，还创造了全世界的兴趣以及人们巨大的需求。同时他的名字成为创造力、美感和品质的代名词。

3勒内・拉利克作品特点

众所周知新艺术运动侧重在让艺术回归自然，不再拘泥于各大艺术派系。而认为来自于自然的、绿色的、原汁原味的才是真正能给人们带来美的东西。所以传统的艺术形式（如绘画雕塑等）不仅都加入了自然的元素，更借鉴了日本的风俗版画艺术，创造出不加实体修饰的艺术形式。在东方和西方的艺术碰撞之下，新产生的艺术形式一开始就受到了这种影响。在最新创始的家具设计、艺术书籍装帧艺术、玻璃艺术、珠宝装饰艺术等都加入了糅合的艺术形式。在借鉴传统形式的同时，更加新颖和大胆的主题被新艺术运动中的艺术家们所引用，创造出惊世的艺术品，在我们今日看来依然绚烂夺目。这其中勒内・拉利克无疑是最辉煌的艺术家之一。

3.1女性元素的描绘――意识的觉醒

以女性元素作为珠宝艺术主题一直被认为是不得体和缺乏品味的，直到新艺术运动的发生，这场处于新旧时代重大转折期的艺术革新运动，为珠宝艺术带来了一股新鲜的空气，以女人脸庞或胴体为主题的珠宝设计逐渐成为当时的主流，女性形象不再如维多利亚时代般忸怩、羞怯，而是更加优雅、大方与高贵。女性元素在珠宝艺术中的大量使用，既包含了这一时期西方社会追求感官娱乐、尊重人性的现代意识，也标志着当时代女性的社会地位更加开放与自由。勒内・拉利克是位热爱生命的艺术家，以前卫的专业设计手法完美演绎了许多不朽的艺术作品，重新诠释了现代珠宝的含义。设计来源是大千世界的一切动物、植物、人物，设计中大量运用自然的装饰图案。

图2蜻蜓胸饰

拉利克在设计的蜻蜓胸针（如图2）中加入了一个女体作为设计，将女性形象与蜻蜓结合。设计中蜻蜓翅膀的细心雕琢，看上去极具有透明的质感，充满灵性与生机。静谧、淡然的绿色与小颗钻石的闪烁将自然的真实和虚幻融为一体。这种组合设计象征着到底是美丽纯洁还是邪恶诱惑。这种别具一格的奇思妙想的树立了新艺术独特的风格与面貌。

3.2玻璃的应用――独特的创意与构思

探索新材料与新技术。在这个时期，玻璃器皿制作艺术已在绘画、雕塑传统艺术领域之外独树一帜。随着家具设计的发展和人们对精美饰品的需求，珠宝设计、玻璃器皿和水晶制品在欧洲的上层社会开始风靡。1910年，勒内・拉利克将他的创作热情从珠宝转向了琉璃，全新的材料成了为他设计作品中的主体。他运用失蜡法倒模出各式各样的琉璃造型，将琉璃部位趁热熔接至作品表面，采用吹塑与模压技术为FrancoisCoty香水公司生产香水瓶，从而奠定了香水瓶工业化生产的基础。经过数年奋斗，勒内・拉利克探索出了一整套用来创作华贵典雅装饰作品的工艺手法，使琉璃的创作技巧日臻完美。

拉里克这次的设计更美妙，因为他的设计让玻璃这种普通材料显示出了高雅。他批量生产的作品用色鲜艳，如翡翠色和孔雀蓝或使用无花纹磨砂玻璃（如图3）。玻璃设计提高了普通设计材质的质量，通过普通材料的设计使得豪华的装饰风格在大众的潜意识思想中广泛的传播。玻璃容器能将空间隔而不断，拉近了人与客体的距离，模糊了人造与自然的概念，通过光的设计制造了一种理想。拉利克充分借助玻璃容器的材料来体现香水的品质。顾客普遍的心理是容器材质越贵重，内装产品越高端。拉利克认为，经过一些特殊工艺的设计，玻璃容器能让每个人联想到内心深处丰富的情感。

图3Lalique香水玻璃瓶

3.3曲线的应用――大自然的灵感

新艺术运动倡导自然风格，强调自然界中不存在直线和平面，装饰上突出表现曲线和有机形态。这种风格大量采用花卉、植物、昆虫等图案，主张运用“自然元素”作为创作灵感和扩充“自然”元素的资源并且融入设计之中。

被视为“百鸟之王”的孔雀（如图4）是最美丽的观赏品，是吉祥、善良、美丽、华贵的象征，它自然无法逃脱设计师的视野。在19世纪末，它几乎成了所有国家首饰设计的基本图案。孔雀兼备幻想和自然美的特性，使它成为新艺术主义潜在的自恋的象征。在对鸟类的描绘上，新艺术主义是最理想的表现形式。鸟儿浓艳鲜明的色彩完美地转化为闪光的或者是闪着金色微光的珐琅彩釉。鸟儿翅膀、羽毛、头冠上密布的网状线条和纹理以及鲜明丰富的色彩，刚好适合表现珠宝设计所需的线条和色彩的变化。象征吉祥、善良、美丽、尊贵的“百鸟之王”孔雀、代言高贵、骄傲、纯洁的白天鹅、寓意黎明、希望、力量的公鸡、诠释灵活、秀气、亲和的燕子以及营造怪异气氛的猫头鹰和蝙蝠等，都成了新艺术珠宝艺术家们热衷的艺术语言。

植物以其种类的丰富性、形态的优美与浑然天成、色彩的清新与丰富，特别适合表现新艺术运动的曲线风格以及符合回归自然的宗旨。最常见的植物题材是洋兰，以及（如图5）、蔷薇、蒲公英、枫叶、松果、葡萄等，在这些植物中，既有寓意深厚的文化性植物，又有名不见经传的普通植物，由此可见，新艺术珠宝在选题上，更多注重的是线条和造型之美，而植物的天然形态本就诉说着人们对大自然和田园生活的向往。

图4孔雀

图5

4新艺术运动对现代设计的影响

新艺术运动对首饰的发展影响深远，让首饰设计表现手法多变，让装饰创造具有自己独特的特点，引导设计师去探索新的设计思路。在选题上使设计更符合人们的审美倾向。新艺术运动的自然选材，让首饰拥有了一种有机的符号象征，引导现代设计在形式美上不断地探索，那些流动、蜿蜒、鲜活的珠宝设计构造，赋予了首饰奇异的生命力。我们的设计可以细节更加的别出心裁，更加的美丽动人。新艺术运动促使现代首饰设计更加地融入大千世界，在自然的灵感驱动下，首饰设计能更加的符合人们审美需求。

新艺术运动对现代设计的影响不统文化的照抄照搬，仅体现在它的装饰特征和表现手法，更在于它在首饰设计艺术的题材和形式的实验与探索上所表现出的超人勇气和大胆想法，是对现代首饰设计的艺术探索的重大借鉴和启示。今天的中国首饰设计界面向全球，依赖模仿找不到首饰设计的出路，迫切需要我们创造属于自己的东西。

5结语

新艺术珠宝，以舶来的东方艺术重新演绎不对称的动感；以灵动的曲线诠释美好的自然、灵动的生命、女性的艺术美；以鲜明的珐琅色彩塑造性感和永恒的主题，对当代的珠宝首饰设计具有重要的借鉴意义。例如，“师法自然”，寻找大自然之美；重视手工艺和设计；极具想象力的大胆创意构思；尊重人性的现代意识等。随着现代珠宝材料与工艺的不断发展和变革，越来越多的时尚珠宝首饰逐渐地走进了大众的平常生活，作为珠宝首饰的设计师，必须与时俱进，应时代的需要来创作出不同珠宝艺术主题。

参考文献：

[1]朱和平.世界现代设计史[M].安徽：合肥工业大学出版社，2011：48-51.

[2]邵敏.新艺术运动镜像下的现当代首饰设计[J].深圳大学学报（人文社会科学报），2012（01）.

[3]闫启文，赵晴.“新艺术”装饰风格的演绎与延伸[J].美术大观，2009（10）.

工艺美术运动风格特点范文篇9

关键词：艾德加·布兰特；装饰艺术；灯具；蛇形

中图分类号：J525文献标识码：A文章编号：1005-5312（2013）05-0105-03

一、背景

在20世纪20到30年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。虽然与欧洲的现在主义运动几乎同时发生，也受到其的影响，但是从思想发展的背景来看，“装饰艺术”运动是对矫饰的“新艺术”运动的一种反动。特别是法国的装饰艺术运动在很大程度上，依然是传统的设计运动，虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现在的内容，但是它的服务对象是社会的上层，是少数的资产阶级权贵。

布兰特的设计风格强调豪华与夸张、舒适感，造型趋于简单的几何形，简单明快，对比强烈。他采用青铜、铸铁设计灯具，造型大多模仿动物或植物，并且其金属制品大多受到埃及或者东方风格的影响，但中期后开始转向简单、明快的风格。他是20世纪金属制品设计方面最重要的设计师。

二、艾德加·布兰特简介

1880年12月24日布兰特诞生于法国巴黎。在布兰特4岁的时候，他的全家搬到了新奥尔良。在18岁时，他获得毕业文凭。后在高等153步兵服两年兵役，还获得第一等级金牌。

1904年，他又去附近南希图勒服兵役。在今年年底前，他回到巴黎主要从事设计和制造60毫米迫击炮，由于在部队的生活，使得他有了更多的设计思路，从而成为一名多产的武器设计者。而且他设计的炮弹在其后的整个第二次世界大战中广泛使用。在武器方面他做了重大贡献。在1902年，布兰特成立了商业机构，他在那里生产铁工艺和轻武器。

1936年他的公司国有化，后来被在蒂勒的几个工程公司于1938年购买了包括兴业精密机械工业（投影）。同年，布兰特开放的一个主要设施堡圣奥宾成为该公司的总部。该公司10年后与汤姆森合并，并成为汤姆森-布兰特军备公司。经过进一步的变化，该公司现在是美国贸易发展署军备公司并成为泰利斯集团的一部分。

在巴黎，他创建了大门、栏杆、落地灯和吊灯等，以及用熟铁和钢做成的大房子和远洋巨轮。他的风格是典型时期的，锥火灾、分行、水果、甚至鸟类和人脸。在第一次世界大战后，他创立了巴黎凯旋门。

在1925年，他参加了巴黎著名的博览国际艺术装饰会，然后他的风格有点改变，包括更多的几何形式和纯模式。他在纽约开了一家画廊和另外一个在巴黎的林荫大道泽布。他创建的大使馆，酒店和邮轮是所有的富人和名人都想拥有的作品。在1939年，他荣获骑士荣誉勋章，之后他移居瑞士，于1960年死于日内瓦。

三、艾德加·布兰特作品透析

“装饰”的语义阐释是一个持续的思维认知过程。装饰既是一种文采，一种独特的艺术形式，又是一种特有的文化现象，一种开放的文化形态，一种充满创造力和想象力的设计。可以明白的知道，布兰特设计出的灯具作品具有非常强烈的视觉效果，是因为他深谙设计的法则，具有能使人们都害怕的蛇和人们都喜欢的大自然变成他灯具设计作品中的一部分，把复杂变成简明，把普通变成神奇的设计能力。布兰特的灵感来自希腊、埃及、中国和日本等许多文化，影响其创造了许多几何图案，这些都是装饰派艺术风格的缩影。在20世纪初，巧妙地利用几何材料一次结合青铜或钢铁、黄金、白银等各种金属色调，与熟铁一起以实现更出色的效果。除私营佣金及奢侈品为家园，布兰特创作许多重要的大型创作项目：令人眼花缭乱的大门，桌椅等物件。

（一）立式灯具造型与装饰特点

1、蛇形的运用

在“装饰艺术”中注重简单而不复杂的设计，但并不仅指一种单纯的设计风格，而是包含广泛（爵士图案）。它是对矫饰的新艺术运动的反动，反对古典主义、手工业倾向，主张机械化的美。在20年代中期以后，法国的“装饰艺术”运动的金属设计开始转向比较简单、比较明快的风格，造型多采用几何图形体。

布兰特最令人崇拜的作品之一蛇灯，（如图2）他制作好几个版本。作品中眼镜蛇从篮子里缓缓往上，蛇的头部包裹玻璃的形成一盏灯，外观美丽的令人震惊，镀金的铜像令波状的蛇身闪闪发亮，让对某种生物的阴影转化成物件，让蛇给人感觉充其量只是一盏房间的灯。

从造型特点上面来说他所作的灯具设计有一共同的特点就是简单的外形，虽然简单但是很有富贵和奢华之感，一眼看上去不会觉得，它简单而死板没有生气，相反，布兰特的灯具作品很有生气之感，很有一种流动的灵气。且他所做的蛇灯在造型上都有共同的特征（如图3、4、5）：都是应用蛇如一条直线般的身体经过扭转成某一种形状做成灯的主要部分，在灯座的底部不是大块的铁所做成的大底座，而是巧妙的运用蛇盘曲成圆形做成一个镂空的灯底座，改变了以往那笨重的大块实心的铁底座，使整个作品显得轻巧、灵活而富有生动。

从装饰特点上面来说，他受埃及古代艺术的影响，古埃及的装饰风格在世界装饰艺术中独树一帜，主要表现在陵墓、庙宇、宫殿、王冠、装饰品等装饰上面，这与古埃及独特的地理环境和、审美心理有着直接的关系。古埃及装饰艺术风格，体现出了一种神秘的宗教气息和庄重典雅的现实主义风格，呈现出独特的艺术魅力和独特的审美价值，且在埃及的艺术中，蛇的形象出现的十分的频繁，只要人们一提到埃及都会联想到蛇这个动物，在埃及蛇象征的是埃及国王神圣的权利并被作为王冠的主要装饰物品。埃及把蛇看作是国王神圣权利，主要是来源于埃及的阿比斯神（Apia）他是孟菲斯（Memphis）地方主神普塔的圣兽，被供养在神庙里的牡牛，也是普塔神的牛型化身。他以头顶太阳和圣蛇乌拉埃乌斯（Uranus）的牡牛形象出现，而广泛的受到人们的崇拜，且在萨卡拉（Saqqara）曾出土大型牛形木乃伊墓地，在其中发现了圣蛇乌拉埃乌斯木乃伊，由此更进一步的表明了蛇在埃及文化中占据着不可磨灭的地位。

由于埃及的这种文化对布兰特的影响给了他不少的创作的灵感，同时，又因为在布兰特心中蛇被他当作是最妖娆的女人，也是他所爱的，有这两种因素而致使布兰特创作了令人崇拜的作品之一蛇灯，其蛇灯的造型完全是采用蛇的形状做成，既生动又不会让人对此产生害怕之感，且很有强烈的装饰感。在装饰上面他把蛇与灯完美的接合在一起形成令人赞赏的蛇灯，其结合的方式有四种：1、蛇拥抱灯法：运用蛇的身体卷曲成一旋转向上的形状，之中有一凹槽可以把灯具放入其中形成蛇拥抱灯。（如图5、6）2、蛇环绕法：就是将蛇环绕在灯的主体上面，（如图2）蛇成为一个完全的装饰作用也是灯的一个亮点之处。3、蛇口含灯法：（如图4）就是将蛇变成灯具的主体部分，蛇的身体弯曲成一弧形蛇口微微张开含着灯，在这里灯的颜色就成为了这个灯具最抢眼之处。4、蛇形法：直接将蛇的形状运用成为灯（如图3），把蛇的头部作为灯泡放置的位子，头部以下是扭曲的身体被看成是优美的曲线而作为灯具的装饰也是这灯具最特别也是最吸引人之处。

（二）吊灯的特点

1、植物形的运用

不论从布兰特的立式还是吊灯灯具的造型上来看，都可以发现布兰特是很热爱大自然，对大自然的感情通过他的作品表现出来，其实，每一件艺术品，都必须表现某种东西。这就是说，任何一件作品的内容，都必须超出作品包含的个别物体的表象。事物的表现性是艺术家传达意义是所依赖的主要媒介，他总是密切地注意着这些表现性质，并通过这些来理解和解释自己的经验，最终还要通过它们去确定自己所要创造的作品的形式。艺术品的知觉式样并不是任意的，它并不是一种由形状和色彩组成的纯形式，而是，对某种一观念的准确解释着。此外作品所选择的题材同样也不是任意的和无足轻重的，它在作品中的形式式样相互依赖和相互配合，为抽象主体提供一个具体显现的机会。

他的灯具的另一个风格就是采用植物的形状来装饰灯，作为他灯具设计的一个元素，植物形的纹样有简单的几何外形，简单明快，很有清新之感，在其植物形纹样当中，他十分喜欢用银杏树叶、和槲寄生植物来做如（图7、8），其设计的元素，这两种植物的共性，从外形看来是简单的几何外形，很符合装饰艺术的风格特点。从性质来看都是一种常青树，象征着美好的未来与希望。而自然的风光让人感觉身处大自然的怀抱。

布兰特的灯具上都使用了植物的形状作为设计的元素，使得，灯具更具有富丽奢侈之感，在他的吊灯中尤其是枝形吊灯和银杏树叶形灯，尤为精致，在其玻璃所做成的灯罩，既有透明之感，让灯看上去很轻盈，让人感觉自身于皇宫之中的富贵之感，（如7、8、9图）同时在加上他的灯具上面都有镂空的工艺让灯看上去更加的富丽，透明。

四、结语

艺术家往往运用具体的外在形象，去表现相对抽象的心理状态，它往往把艺术中象征性的语言看作，“象征内心世界的符号，也是象征灵魂和精神的符号。”艾德加·布兰特的设计，很能体现他自己内心的想法。不仅是在其灯具上面，而且在家庭用具和工艺品上也很有成就。但其设计的作品风貌不拘一格，富于变化，且具有强烈的富贵感和奢侈感。十分符合当是上层社会的口味。在设计的创作过程中，布兰特将出发点和归宿点都以人性的角度加以思考，坚持简洁洗练、富贵和隽永的艺术表现之路。

布兰特的设计以简洁的造型优美的曲线来营造出富丽奢华的感觉，而且布兰特的作品思想蕴意丰富且韵味无穷。艾德加.布兰特在设计领域上的突破，给上层社会名流们，开拓了新的艺术文化风貌。

参考文献：

[1]王受之.世界现在设计史[M].北京：中国青年出版社，2002.

[2][美]鲁道夫·阿恩海姆艺术与视知觉[M].腾守尧.成都：四川人民出版社，1998.

[3]朱和平.世界现在设计史[M].合肥：合肥工业大学出版社，2008，第66页.

工艺美术运动风格特点范文篇10

一、复杂的创作风格

美术创作风格有史以来就是美术工作者经常谈论的话题。它和人类天性喜标新立异爱追求有关。风格的形成可有效增强作品的艺术感染力，提升作品的人文价值和历史价值，是画家在学术上走向成熟的重要标识之一。画进去，画出来，最后还得画上去！”这是三十多年前，鲁迅美术学院从事美术史论教育的于永康老师指导我们创作时常说的一句话。画进去”就是指在绘画创作领域技术水平已经能够走入美术创作殿堂了，画出来”是说你的创作水准在传统意义上已经可以被人们认可，而画上去”则代表创作在传统意义上有了突破能够形成自己的独特风格，标新立异了。可见美术创作风格就是这样一个东西，长久以来为从事专业的人们所乐道所追求。

美术创作的风格形成原因是异常复杂的，仅外在的社会影响就几乎囊括了政治、经济、军事、文化的方方面面。基于情况的复杂性，理论在实践中具体可操作性的理由，本文从略进行风格外部成因的论述，重点从人格、习惯、艺术语言追求几个更本位于艺术家自身的方面对美术创作风格的形成予以论述。

二、人格在风格形成中的地位

人格在美术创作风格形成的过程中作用是明显的。虽然说人格在很大程度上是受社会文化影响的，但是还是以个体的神经解剖生理特点为基础的。人格是一个人从行为模式中表现出心理特性的整体，构建着人的内在心理特征。它常体现在个人的某一个行为之中，这个行为便可带出这个人整体的心理特征。林风眠是我国著名的美术教育家，想来大家一定不陌生。他的作品无论是在传统的中国画领域，还是在传统的西方绘画领域至今都很难觅自己的位置，主要原因应该是出在他美术创作的风格方面。非西也非中，是其风格特点。早年他留学法国，主要受西方传统的美术教育，同时家乡民族传统美术和文化又不能不对他产生深刻影响。归国后的几十年里虽经历了民族命运最为艰难复杂的时期，但他还是义无反顾地克服了重重困难，坚持走上了一条画风上中西合璧之路。作品通常体现出既有西方现代色彩影响又有中国画线型结构特点的风格。今天的人们认可大师作品的艺术风格更认可他作品背后的人格魅力——创新的勇气和为艺术发展献身的执著精神。当然透过他的作品表象我们不一定就能直接体会到大师的精神，但透析其作品风貌的成因，了解风格背后的故事，我们会体会到他的作品背后的人格特点。今天在我们这个社会里类似的亦线亦色为特点的作品已经很多，但唯有林风眠的作品能为国家及业内所普遍认可。他的作品风格显示了他的人格特质，是五四运动以来中国美术家勇于探索走中西合璧发展心路的一个里程碑。

人格对风格的影响方面我们还想到了扬州八怪之一的郑燮。其怪也多指他的人格和画风方面。郑燮善画兰竹，画风劲峭明显。大家再熟悉不过的咬定青山不放松，立根原在破岩中，千磨万砾还坚劲，任尔东西南北风”，诗句是竹子的写照更是作者人格的再现。其实在今天不少描写郑燮的影视作品中，让我们看到郑板桥画竹如此，当官亦如此。内在人格的真实外显普通人是无法模仿的。这也让我们理解了为什么同样为官郑燮能做到的事别人为什么做不到。做人如此画画更如此，我国历史上画竹子的人不在少数但能画出郑燮如此风貌的人能有几个，可见人格特点所带来的美术创作风格的独特性。我们感慨古人说得很对，要想画好画得先做好人。没有那样的人格底蕴又如何能画出郑燮那样的画来。可见人格对作品风格的重要影响。

三、习惯和风格

美术创作中经常还会有人提出这样的问题：绘画习惯是否会逐步演化成为创作的风格呢？下面试着谈谈我的观点。通常来讲对于多数人而言绘画习惯变成创作风格是不可能的事，少数人当有例外。应该说每一个美术工作者都会有自己的绘画习惯并且这一习惯会一直伴随终身。作者在一生的时光里要面临不断学习，会在不同的时间节点上面对不同的内容或表现对象。他们有时还会受到诸如艺术思潮、流派等因素的干扰。工作中找出和掌握更加符合审美需求的表现语言和风格同抛开业已形成的习惯一样是件困难的事。岂不知我们随性情自由发展生成的习惯有些或许是好的，而更多的则是不好的。不好的固定的习惯是不利于一个作者的艺术风格形成的。在我还是学生的时候，曾任鲁迅艺术学院院长，当时在黑龙江省文联工作的羊角老师就对我说：过早的形成自己的绘画风格对于一个年轻人来讲不是好事！”但凡事也有例外。时任北京画院院长，当代著名中国画人物画家袁武老师曾是我青年时期的画友。他的画使用粗黑浓密的线条，沁润着深棕色的色彩画风有沉重和沧桑的感觉。一个内容画了多少次感觉都一样，这分明是在画法上已经养成了自己的习惯。可是今天袁武老师已经在国画人物创作方面取得了不俗的成就，他的《改革开放的总设计师——邓小平》、《东北抗联》等作品已经成为国家的典藏。其实也正是在这些优秀的作品中，熟悉他的人们仍不难发现他青年时期作品的影子，不同的是袁武老师已经成功地将习惯转变为个人的艺术风格，习惯与要表达的内容有机恰当地结合在一起。习惯在这里加强了绘画主题的艺术感染力。需要提醒的是，纵观全局，袁武老师今天的画风不仅有浓重、老辣和沧桑，而且有清秀、劲利和幽雅，这在告诫我们艺术风格是一个人在艺术道路上不断探索的结果，它的稳定性，不变性也只是一个相对的概念。

工艺美术运动风格特点范文篇11

【关键词】浮世绘绘画平面设计建筑设计

【中图分类号】J205【文献标识码】A【文章编号】1674－4810（2012）11－0040－02

浮世绘（Ukiyo－e）是日本江户时代以来最重要的绘画表现形式，其来源于中国，受中国明清版画形式的影响，其文化内涵受中国禅宗思想的影响，并结合日本民族的自身特点，画面多呈现出幽深、玄奥、清淡、静谧和伤感的美学特征，倡导在凝神静察中展现对自然和人生的深深眷恋，同时摒弃文人挥毫泼墨的畅快写意，转换为强调夸张的、严谨的、饱满的匠心独具的工艺特质，充满设计美感。

浮世绘的题材与种类分为美人画、役者絵、戏画、鸟羽絵、漫画、名所絵、花鸟絵、武者絵、历史画、玩具絵、见立絵、相扑絵、张交絵、死絵、子供絵、长崎絵、横滨絵、风刺画等。

浮世绘以其独特的艺术魅力，对欧洲现代艺术运动以来及现今艺术风格都产生了深远的影响。浮世绘以它生活化的世俗题材、平面空间和大胆的截取式不对称构图、用线条勾勒艳丽的色块平涂，使画面具有强烈的装饰性特征。浮世绘的版画不重色彩的浓淡处理，不画出阴影，并且采用平涂的色彩，对造型进行归纳和简化，线条清晰、分明、充满律动感，在画面中有独立的审美意义。

在19世纪中期，大量日本浮世绘版画进入欧洲市场，以其鲜明、简洁的独特美感让人耳目一新，广受欢迎。这些廉价的艺术品一度引发收藏热潮，并吸引了大量的艺术家和设计师的关注，纷纷从中获取艺术创作的灵感，从而也推动了欧洲现代艺术运动的发展。

笔者从几个方面分析浮世绘对现代艺术的影响。

一绘画

浮世绘版画以平面化的处理手法，自由而机智的构图，弱化暗部，纯化色彩，让画面呈现出雅致、简洁、强烈的二维美感，给印象派以来的画家以无尽遐想。如马奈、惠斯勒、德加、莫奈、劳特累克、凡·高、高更、克里姆特、溥纳尔、毕加索、马蒂斯、巴尔蒂斯等人都从浮世绘中获得各种有意义的启迪。例如，马奈的名作《吹笛少年》运用了浮世绘的技法。凡·高也临摹过多幅浮世绘，并将浮世绘的元素融入他之后的作品中，名作《星夜》中的涡卷图案被认为参考了葛饰北斋的《神奈川冲浪里》，《唐基老爹》中有许多浮世绘画作。对中国现代艺术影响至深的巴尔蒂斯有多幅作品直接取材于浮世绘版画元素，其作品浓郁的东方气质又反过来影响着艺术家的创作。

二平面设计

浮世绘艺术形式来源于中国传统绘画，它充分发挥了中国画不讲求焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣的特点，但是又从中国画一波三折、自由洒脱、强调曲线美的随意性中脱颖而出，发挥了日本民族严谨、细腻的思想作风，空间布局精巧、饱满，技法上讲究线条工整、圆健，色彩浓艳，对比强烈，画面力求简洁、精到与唯美。这本身就带有强烈的设计意识，所以它和现代平面设计的结合就顺理成章了。

三建筑设计

浮世绘所代表的是以东方禅宗文化为背景的美学思想，其所追求的简朴、空寂之美对现代建筑设计影响深远。

以荷兰风格派运动（DeStijl）为例，其主张的纯抽象和淳朴，从外形上缩减到几何形状，而且颜色只使用原色。风格派从一开始就追求艺术的“抽象和简化”，它反对个性，排除一切表现成分而致力探索一种人类共通的纯精神性表达，即纯粹抽象。艺术家们共同关心的问题是：简化物象直至本身的艺术元素。因而，平面、直线、矩形成为艺术中的支柱，色彩亦减至红黄蓝三原色及黑白灰三非色。艺术以足够的明确、秩序和简洁建立起精确严格且自足完善的几何风格，从中我们可以看出对浮世绘艺术形式的概括和提炼。

现代室内设计简约风格就受到风格派建筑设计的影响，呈现出时尚、简约的特点。其重视功能和空间组织，注意发挥结构构成本身的形式美，造型简洁，反对多余装饰，崇尚合理的构成工艺，尊重材料的性能，讲究材料自身的质地和色彩的配置效果，发展了非传统的以功能格局为依据的不对称的构图手法。设计师们在空间设计上主张“灵活多用，四望无阻”，提出“少就是多”的口号，造型上力求简洁的“水晶盒”式样。注重细部设计，对衔接和节点处理极为重视。强对人性的关怀。

以浮世绘为代表的日本风所追求简单的色块和不均匀的线条、精致和雅致的配饰，给20世纪的现代主义运动提出的“装饰是艺术表达的一种有效方式”核心理念，在今天的艺术活动中也同样发挥着重要的影响。

参考文献

［1］梁晓虹.日本禅［M］.杭州：浙江人民出版社，1997

工艺美术运动风格特点范文

家具广义上是指人类维持正常生活、从事生产实践和开展社会活动必不可少的一类器具，从字面意义上解释，就是“家用的器具”。狭义家具主要是指具有坐卧凭依或贮存支撑等使用功能的器具。自人类社会出现家具以来，其发展便再也没有停止过，家具是人类劳动与智慧的结晶，是人们生活中必不可少的工具。

作为反映不同地域文化、的载体，中西方家具发展都经历了多个历史时期，各种各样装饰风格的形成，造型、结构、用材都存在着较大的差异性。十九世纪是处于古与今的交替时期，中国仍是自给自足的封建社会，家具发展出现了顶峰后的衰落期；而西方世界正进入资本主义世界，家具发展缔造了具有里程碑意义的一页。中西方世界形成鲜明的对比，在这一时期下所发展的家具装饰风格呈现出前所未有的多样性与一致性。古为今用、洋为中用，它们对今天的家具设计发展有很大的借鉴作用，对提升人类的生活质量有着深远的影响。

十九世纪中国家具装饰风格的演变

我国古代家具主要有席、床、屏风、镜台、桌、椅、柜等。古人习惯席地而坐，席可能就是最早的家具，而床为主要的家具。后来出现了屏、几、案等家具，床既被用于坐具也用作卧具，榻则在床的基础上衍生而来。到了南北朝，人们从屈膝而坐逐渐变为垂足而坐，高型坐具开始流行于当时的社会。

在家具设计风格上，中国家具自古秉承儒、道、佛三家思想的影响，装饰风格上把三家思想交融互补、兼收并蓄。如秦代家具制造汇聚六国工匠的技艺精髓，汉代家具融南北方风韵于一体，唐时期家具风格借鉴了西域文化和佛教文化，别具外来风韵。明清时期，中国传统家具设计令人称道，其精湛的工艺和设计的别致性成为中国民族文化艺术宝贵的一笔财富。尤其明清家具设计艺术以其简约的线条、古朴的质感、简洁而精美的木雕装饰让人流连忘返。在中国家具发展历史中，明式家具与清式家具一定会被相提并论，在这里先探讨一下明式家具。

1.以典雅脱俗为装饰风格的明式家具

明式家具，一般是指在宋元家具风格的基础上，继承优点并逐步演变而成的，被称为“细木家具”，是以上乘硬木为主要材料的日常家具。明代家具对后世影响深远，在我国历史上占有重要的地位，以其形式多样、构造巧妙，实用性和审美趣味相统一而闻名于世。

全国很多地方都有生产明式硬木家具，而只有苏州地区出产的明式家具，其风格特点和工艺技术最具底蕴。这种家具风格鲜明，经过年代的推移依然深得人们的喜爱，最地道的明式家具也称为“苏式家具”，或“苏做”。名贵的黄花梨、红木、楠木、紫檀等硬性木材常被用于制作明式家具，而大理石、玉石、贝壳等多种装饰材质也会被嵌入其中。明式家具精湛的艺术手段和装饰美学的极致追求高度融合，在世界设计史上是罕见的，是功能与美学高度统一的完美例子。

中国古代家具经历数千年的发展，到明中期达到顶峰，一般来说，“明式家具”和中国传统家具几乎可以划上等号。当然，乾隆之后的清式家具，也是中国传统家具，但是，由于太堆砌，最终僵化，因此还是以明式家具来代表中国传统家具。

2.以繁复华丽为装饰风格的清式家具

如果明式家具是以简洁而优雅为见长，那么清式家具则更注重细节局部处的装饰、雕刻，尤其是皇室宫廷的家具。清式家具从历史角度可分三个阶段：清初家具在造型结构上保留了明式家具的特点，仍可称为明式家具；从康熙末至雍正、乾隆，乃至嘉庆这一百年，是清式家具发展的鼎盛期，家具华丽的装饰和雕刻也大量增加；道光时期，也就是十九世纪，家具过多的奢华达到极致后，是中国家具的衰落期。

清代初期，家具制作从造型、工艺、装饰、材料等各方面都趋于成熟，特别在家具的种类上，也比以往朝代丰富，形成了“清式家具”。

清代中期，是家具制作的黄金时代。家具设计风格多样，主要特征是造型庄重、雕刻样式繁杂、体积大、气度恢宏。这期间最出色的是宫廷家具，色彩绚丽、纹饰华丽，形成独具韵味的装饰风格。

清代晚清，正是十九世纪初期。自乾隆年间家具发展的顶峰后，清式家具出现了追求华丽和精细的装饰雕琢的风格，比以往任何时期更注重装饰带来的整体效果。但除了细密的装饰外，晚清标新立异的家具作品已经少之又少。道光年间，随着鸦片战争的结束，家具业出现了长时间的停滞，工作量日益减少，家具生产日益衰落，清式家具也失去了原本的辉煌。

十九世纪西方家具装饰风格的演变

十九世纪的西方世界正在频繁地进行着工业革命、政治革命和科学革命，在这些带有创新思维的革命推动下，进入了全新的资本主义社会。西方各国由于风俗习惯、文化背景、、社会条件及其后的不同，所用材料各异，呈现出不同的装饰风格，创造出丰富多彩的家具文化。

十八世纪中期到十九世纪末就爆发了几个影响深远的艺术运动，分别是新古典主义运动、工艺美术运动以及新艺术运动。在这三个艺术运动中，家具设计风格有着重要的地位，并得到一定程度发展。

1.以高雅精致为装饰风格的新古典主义家具

新古典主义运动是十八世纪五十年代至十九世纪初风靡欧洲各国的艺术运动，它的出现代表着借古复今的潮流，并标志着一种新的美学观念。这一时期的家具装饰艺术是家具史上最成功也是最有代表性的一次复古运动。在艺术风格来看，新古典主义家具以其庄重、典雅的古典主义格调代替了华丽且脂粉味浓的洛可可风格。

新古典主义时期的家具可以说是欧洲家具中最杰出的家具艺术。首先，新古典主义家具中对直线的运用，为家具的工业化大批量生产奠定基础；其次，它具有结构和功能上的合理性、舒适性，还有优雅而不做作的特点，是古为今用的典范。新古典主义时期的家具装饰风格，体现了新兴资产阶级的审美观，给奢华的洛可可风格所笼罩的西方国家注入了一股清新的装饰风，对古典艺术进行了新的挖掘和揭示。

2.以质朴纯真为装饰风格的工艺美术运动时期家具

工艺美术运动是从十九世纪五十年代到二十世纪二十年代形成的英国设计革命高潮，也是一场著名的设计改良运动。这时期的装饰风格特征具体表现在强调手工艺，明确反对机械化代替人手生产；提倡设计应以诚信为本，反对哗众取宠和浮夸，注重简单、朴实无华和良好的功能。

这时期的思想也体现在家具设计上，提出艺术与技术相结合的原则，主张艺术家在家具设计中，追求多采用自然纹样作装饰，这场运动打破了矫饰主义盛行的沉闷之风，使艺术家的社会责任感重新唤醒，让家具设计在工业化生产的背景下受到关注。家具设计具有明显的自身特点，多用几何体作为造型手法，排斥多余的装饰，用作装饰的部位都要带有功能性，形成了家具使用功能与装饰风格的统一。

3.以美轮美奂为装饰风格的新艺术运动时期家具

受英国工艺美术运动的启示，十九世纪末二十世纪初，欧洲及美国出现了名为“新艺术派”的实用美术方面的新潮流，是一次影响极大的“装饰艺术”运动。新艺术运动本质上是英国工艺美术运动在欧洲的延续，同样是对工业化的一知半解，同样是崇拜自然、推崇曲线及自然草木中的纹样，但表现上有其自身的特点，其中之一是深受东方艺术的日本所影响。日本家具对新艺术运动的不对称形式的影响深远，很多新艺术家具中的花卉图样就是采用了日本“浮世绘”的特色，东方艺术的淡彩、细长的线条和空间的运用都在新艺术家具中有所体现。

新艺术运动时期的家具装饰也是独一无二的。早期的家具风格仅停留在表面的装饰，但随着艺术家的创新，在家具设计中融入雕刻、镶嵌等艺术手段，不仅使艺术形式更加生动，拓展了家具设计的表现手段，也使新的艺术语言在家具设计中得到恰到好处的应用。

中西方家具装饰风格的对比

1.十九世纪中西方社会背景的差异

十九世纪的中西方世界有着巨大的差异，这个时期中国正处于晚清年间，清朝君主和他的臣民仍然陶醉于闭门造车的封建农业社会里面，对西方世界日新月异的迅猛发展毫无兴趣，固步自封。直至两次鸦片战争以及1894年的甲午战争，软弱无能的清政府签署了一连串的丧权辱国的条约，中国才被迫打开了国门，而这时候西方世界快速社会和技术变革都发生在此期间。欧洲各国的工业革命都先后完成，资产阶级社会快速发展，成为社会大部分财富的主人，他们追求生活中美好的东西，于是渴望变革。工业革命带来的结果是家具产品得到批量生产，但其外观与设计都是比较粗糙的，急需改善，因此而产生了工艺美术运动、新艺术运动等把技术与艺术相结合的运动。这个时期中国的少数有识之士意识到只有自强不息才能救中国，从而开始把西方的机械技术带到了中国。

2.十九世纪中西方家具装饰风格的差异

十九世纪初，中式家具的装饰风格沿袭了乾隆时期的风格，而西方世界则刚兴起新古典主义风格。造型上中式家具强调体积较大，沉稳、厚重，注重富丽堂皇的装饰与雕镂；新古典主义风格的家具倾向对古希腊、古罗马的模仿，造型多参照古典建筑的形体。

十九世纪中叶，鸦片战争以后，中式家具业日渐衰落，过度的装饰造成了必然的衰败，家具的造型粗糙简陋，行业早已出现长时间的停滞不前。此时以英国为首的工艺美术运动正遍及欧洲，家具设计的造型简单而自然，带有明显的哥特式与中世纪风格。

同治、光绪时期，中国的家具业已经日趋没落，家具设计变得越来越程式化，连苏式家具都陷入了形体笨重、装饰繁缛累赘的境地。这时期整个欧洲与美国的工艺美术运动正不断迈向成熟，把家具设计引向了一种全新的艺术形式。

3.十九世纪中西方家具装饰风格的相同之处

十九世纪中西方家具都体现一种浓厚的装饰味风格。对比明式家具，清式家具偏向华丽与高贵，无论在纹饰或手工艺上，清代晚期的家具都显然受到了西方以及中亚风格的影响，出现了所谓的“西式纹饰”，如卷草纹等。西方的三次艺术运动都强调装饰，纹饰的设计与运用都达到了较高的成就，精湛的制造工艺使家具设计更趋精美优雅。这一时期的西方家具设计受到中国的影响，西方家具的美感与工艺的创新同样给予中国启迪。

结论

通过对十九世纪中西方家具装饰风格发展的研究，我们看到了中国的家具发展在经过长时期繁荣与昌盛的顶峰时期后渐渐停滞了，家具业的褪色就正如清朝统治的没落。而同时期的西方家具发展到一个崭新的历史阶段，各种艺术运动的发起，艺术家们的不断创新，朝着把家具艺术与人类生活紧密结合这一目标前进，这一时期的艺术成就最终成为了现代设计的开端。